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Blaudzun – Heavy Flowers

2012-02-18T10:31:00.001+01:00

"The difficult third album", recitava ironicamente una didascalia sulla copertina del capolavoro di Billy Bragg "Talking With The Taxman About Poetry", a testimonianza di come la pubblicazione del terzo disco sia il momento cruciale in cui l'ascoltatore si interroga definitivamente sulla maturità artistica del musicista e sull'effettiva validità della sua proposta.
Ed è con la consapevolezza di questa premessa che il qui presente John Sigmond, in arte Blaudzun, giunge alla fatidica prova della verità, forte di un paio di album accolti in maniera entusiastica nella natìa Olanda e ben recensiti anche dalle nostre parti nell'attesa, appunto, della consacrazione definitiva.
Va subito detto che, da un punto di vista prettamente formale, "Heavy Flowers" è certamente un disco confezionato a regola d'arte. Il patto artista/ascoltatore, con quest'ultimo conscio di poter trovare tutti gli ingredienti basilari per un album di cantautorato folk-pop del 2012, è fedelmente rispettato: chitarre acustiche, archi, mandolino, pianoforte, fisarmonica e voce languida e lamentosa si incastrano, come da copione, in arrangiamenti minimalisti che creano il contesto in cui Blaudzun può coccolare la sua tormentata anima di profeta apocalittico.
"Ogni cosa a suo posto", avrebbero cantato i Radiohead un decina d'anni or sono, ma non appena ci si domandasse le caratteristiche appena citate siano sufficienti per rendere un album un'esperienza appagante, ecco che sorgono i problemi. La scrittura, innanzitutto. Perché le pur riuscite parti strumentali appaiono purtroppo fini a sé stesse, soprattutto quando le linee melodiche di brani come l'opener "Flame On My Head" o la cinematica "We Both Know" scorrono stanche e impalpabili.
Non giova poi un'epigonalità spesso eccessiva, come nel caso delle confuse galoppate "Le Chant De Cigales" e "Sunday Porch", nelle quali la strizzata d'occhio agli Arcade Fire appare più come una rincorsa affannosa piuttosto che una scelta di cavalcare l'onda in maniera accorta e, soprattutto, personale.
Peccato, perché proprio quando ci si appresta ad arrendersi alla realtà di un lavoro sì ben costruito, ma che scorre praticamente senza lasciare traccia, emergono alcuni timidi vagiti, come una claustrofobica "Who Took The Wheel", saggiamente contrappuntata dalla fisarmonica, o una spoglia "Monday", in cui il cantautore olandese si muove in punta di piedi su tenui carezze di chitarra acustica e piano.
La linea generale dell'album è però ben fotografata dal controverso singolo "Elephants" e dal suo continuo affastellarsi di probabili hook vocali e strumentali, che finisce col dimostrare di saper girare con grande disinvoltura attorno al bersaglio senza mai riuscire a fare centro per davvero.
In sostanza, il "difficile terzo album" di Blaudzun lascia più dubbi che certezze. Per gli ascoltatori che prediligono la forma alla sostanza, "Heavy Flowers" non troverà difficoltà ad inserirsi nella lista dei dischi di riferimento del 2012, grazie al suo attenersi ai dogmi del songwriter "indie-folk-pop" moderno in maniera pressoché ineccepibile. Tutti gli altri non potranno invece fare a meno di etichettare il suo autore come l'ennesimo passeggero sul treno degli inseguitori. (Ondarock)

Tracklist
1.Flame On My Head
2.Elephants
3.Heavy Flowers
4.Le Chant Des Cigales
5.We Both Know
6.Solar
7.Who Took The Wheel
8.Monday
9.Le Chant Des Vagues
10.Sunday Punch
11.Another Ghost Rocket
12.Elephants (Nocturne)

http://www.myspace.com/blaudzun

Marco Malvaldi - La Carta Più Alta (2012)

2012-02-17T15:05:00.001+01:00

"Non è che tutti gli anni possono ammazzare qualcuno per farvi passare il tempo", sbotta disperato Massimo il barrista. Ma è impossibile sottrarsi al nuovo intrigo in cui stanno per trascinarlo i quattro vecchietti del BarLume: nonno Ampelio, il Rimediotti, il Del Tacca del Comune, Aldo il ristoratore. Dalla vendita sottoprezzo di una villa lussuosa, i pensionati, investigatori per amor di maldicenza, sono arrivati a dedurre l'omicidio del vecchio proprietario, morto, ufficialmente, di un male rapido e inesorabile. Massimo il barrista, ormai in balìa dei vecchietti che stanno abbarbicati tutto il giorno al tavolino sotto l'olmo del suo bar nel paese immaginario e tipico di Pineta, al solito controvoglia trasforma quel fiume di malignità e di battute in una indagine. Il suo lavoro d'intelletto investigativo si risolve grazie a un'intuizione che permette di ristrutturare le informazioni, durante un noioso ricovero ospedaliero: proprio come avviene nei classici del giallo deduttivo. E a questo genere apparterrebbero, data la meccanica dell'intreccio, i romanzi del BarLume, se non fosse per le convincenti innovazioni che vi aggiunge Marco Malvaldi. La situazione comica dei quattro temibili vecchietti che sprecano allegramente le giornate tra battute diatribe e calunnie, le quali fanno da base informativa e controcanto farsesco al mistero. La feroce satira che scioglie nell'acido ogni perbenismo ideologico. La rappresentazione, umoristica e aderente insieme, della realtà della provincia italiana...

Dopo la felice digressione ottocentesca di Odore di chiuso, Malvaldi scende da Roccapendente, teatro delle vicende che in quel libro vedevano Pellegrino Artusi alle prese con un delitto, e torna al languore balneare e un po’ indolente di Pineta, luogo di finzione che chiunque abbia letto un romanzo di Malvaldi sente di conoscere come fosse reale.
“Balneare” e “Indolente” sono aggettivi che scadono come un litro di latte lasciato fuori dal frigo in agosto, però, quando fra i profumi di resina e le schiume decorate sopra ai cappuccini si comincia a sentir puzza di bruciato: una morte di vent’anni prima, archiviata come naturale, si ripropone fra i tavoli del BarLume, simile ad una brioche stantìa che torni su a far sentire un saporaccio molte ore dopo che l’abbiamo trangugiata senza il minimo sospetto.
Gli investigatori: Ampelio, Aldo il ristoratore, Il Rimediotti e il Del Tacca del Comune. Questi quattro ineffabili gourmet di semolino stanno sulla pagina con la disinvolta allure di un A-Team di ottuagenari, pronti ad ogni piè sospinto a rivendicare il loro diritto a mangiare – ché mangiare gli garba parecchio – a “giocà” a carte e fumare qualche sigaretta: arrivati al punto in cui sono arrivati, l’invulnerabilità è a un passo, anche quando si è alti come una damigiana e si pesa quanto un canterale.
A fare da contrappunto al loro incessante borbottìo, che sparge fiele sulle cose del mondo facendoci nel contempo ammazzare dalle risate, c’è Massimo, che ha da poco cambiato casa, ha divorziato, ha perso la sua banconista preferita, Tiziana, e ha una vicina di casa (soprannominata “Il gorgonoide”) che frigge dalla mattina alla sera alimenti non meglio precisati in oli non meglio precisati, impestando l’aria e guastando al nostro barrista l’umore mattutino.
Massimo farebbe volentieri a meno di cacciare il naso in una storia vecchia di vent’anni, e della quale non è affatto convinto. Ma il caso ci mette lo zampino, e un’inarrestabile catena di eventi scalda i motori per mettersi in moto come un diesel: lenta ed inesorabile.
Il vecchio Carratori, proprietario di una villa venduta in nuda proprietà e decisamente sottoprezzo, è morto nel giro di poche settimane dopo aver concluso quella transazione, apparentemente a causa di un tumore velocissimo e dall’esito inappellabile.
Ma allora perché la sua morte, riletta alla distanza assieme alle conseguenze che ha generato, assume contorni tanto ambigui e farraginosi? Ampelio & Co. non hanno dubbi: c’è lo zampino di qualcuno, dietro quella vicenda.
A mettere la ciliegina sulla torta al curaro che i quattro vecchietti stanno cucinando per Massimo, ci penserà un incidente, banale ma dalle conseguenze nefaste: il barrista mette un piede in fallo, inciampa in una radice e si rompe il legamento crociato, vedendosi così costretto ad una lunga convalescenza nello stesso ospedale in cui il Carratori spirò. E allora, in mancanza di libri gialli con i quali alleviare un po’ della noia che pervade le stanze, a cosa si può dedicare la fertile, tonica immaginazione di un barrista dalla mente svelta a trarre conclusioni quanto il braccio lo è a servire i caffè?
La carta più alta riesce in una di quelle alchimie cui il chimico Malvaldi ci ha abituati: imbastendo un intreccio godibile e ben strutturato che viaggia in parallelo alla splendida caratterizzazione dei personaggi e ai loro esilaranti dialoghi.
Si ride, ci si immedesima e si vuol bene a Massimo e ai suoi fantastici quattro, mentre già pregustiamo un prossimo episodio: ma in questo resteremo probabilmente delusi, perché Malvaldi ha dichiarato che La carta più alta sarà l’ultimo romanzo del ciclo dedicato al Barlume di Pineta.

Annakin – Torch Songs

2012-02-16T19:44:00.001+01:00

Whispering in «I Feel for You» and shouting in «The Lady and the Devil»: Annakin’s new record «Torch Songs» is an eclectic collage of electronics, live instruments, glorious song-writing and lots of jiggery-pokery. The Swiss artist adds wonderful male vocals to her own unique voice, combines marching drums with electronic beats and merges wind instruments with strings.
The term Torch Song comes from the saying „to carry a torch for someone“; it describes a love song in which the singer laments an unrequited or lost love in either a melancholic or rebellious way. Annakin alias Ann Kathrin Lüthi interprets this topic in twelve diverse and fascinating tracks.
and discharge in heavy guitars, drums and choirs that are reminiscent of Indian war songs. In her lyrics, Annakin dedicates herself to the dark side of the affair and has thus sent a grand envoy of the multifarious record. Annakin’s second album was produced in Zurich and London. When writing her lyrics, Annakin usually resorts to her own experiences, adds a pinch of poetry and accesses her imagination. Four songs were created in collaboration with Matthias Kräutli, Annakin’s drummer on the «Falling into Place» tour. Apart from this, he lent her his voice and plays the drums on nearly every Torch Song. Equally important for the organic outcome of this record is Adrian Weyermann who plays his wonderful guitars and sings an impressive duet with Annakin. Jono Buchanan produced the songs in London and just like Annakin he poured his heart and soul into the album. In his Clockwork-Studio, he programmed all the electronic sounds and recorded flugelhorn, horns, clarinets, flutes and trumpets. This Zurich and London based production has
resulted in an extraordinary piece of music that comprises the cultural and spiritual essences of both continental Europe and British isles. And now, oh play that thing again!

Tracklist
01. Gone Awry
02. Monsters
03. Sticky
04. Malfunction
05. The Coast Is Clear
06. I Feel For You
07. Torch Song
08. Speed & Spine
09. Alive
10. The Lady & The Devil
11. My Eden
12. Mindscape

http://www.myspace.com/annakinnet

Kwoon - The Guillotine Show

2012-02-15T14:39:00.001+01:00

Kwoon, a rather fine French combo, first came to my attention thanks to my good mate Phill and I was especially intrigued by their quirky video for the splendid left-field pop song I Lived On The Moon. Now, with two well received albums behind them, comes this EP, released on 6th October, six tracks clocking in at just under half an hour.
The sound they make has a distinctive European feel, and the first song and title track The Guillotine Show opens with the tolling of a bell, the song making a spooky entrance in a waltz time, unfocused atmospheric vocals adding just the right amount of mystique to a Gothic tune.
Wark continues the Gothic feel, slow building keyboards backing mysterious vocals, the mystery added to by Sandy's accent making the English vocals sometimes hard to decipher, but this only adds to the atmosphere. Us Anglo types are suckers for a Gallic tinged vocal after all! The song eventually builds to a wonderful classic post-rock layered guitar assault.
Following song The Last Trip Of A Drunken Man (great title!) is an almost straight acoustic number, and you can just about make out the group through swirls of imagined languid cigarette smoke. The band show an increased maturity on the EP, and the songs exude a burgeoning confidence, a swagger exemplified by the intro to the anthemic Emily Was A Queen which one can imagine going down a storm in a live setting. A thunderous bass guitar underpins the latter half of Bird, which begins in a style not far removed from Deserter's Songs period Mercury Rev, and the EP ends with an acoustic version of the marvellous I Lived On The Moon, all introspective chords, delicate harmonies and haunting cello.
A strong collection of songs by a band going from strength to strength, and a great introduction if you've not come across them before.
The band are on tour from the October 10th, playing all over Europe. If there's any tickets left, they are playing at the Barfly in London on November 1st, a date I'm sad to miss, having a full gig diary around that time. Oh well, definitely next time!

Tracklist:
1. The Guillotine Show
2. Wark
3. The Last Trip Of A Drunken Man
4. Emily Was A Queen
5. Bird
6. I Lived On The Moon (acoustic remix remastered version)

http://www.myspace.com/kwoonmusic

Perfume Genius - Put Your Back N 2 It

2012-02-15T14:30:00.001+01:00

Sì, è proprio lui: Mike Hadreas. Lo riconosci subito, è proprio lui. Quasi un fantasma dolcissimo tra le pieghe della romantica preghiera di "Awol Marine".
"Put Your Back N 2 It" è il suo secondo album e rispetto al precedente "Learning" mostra un sound più curato, soprattutto per quanto riguarda la resa della voce, adesso cristallina e tagliente, ma come può esserlo un grido strozzato e riconvertito in un sussurro. Le sue storie, lo ha ammesso egli stesso, non sono più così private, anche se si inseguono e si perdono tra specchi dell'anima che sono sempre sul punto di rompersi, mandando in frantumi ogni possibile difesa. Così, in questo distacco che probabilmente mira a una indagine più accurata della sua sofferenza, Hadreas sperimenta nuove soluzioni, spesso però lasciando un po' l'amaro in bocca a quanti credevano in un exploit più sostanzioso rispetto al toccante ma comunque incompleto predecessore.
Plumbeo e un po' monocorde (probabilmente questo è il suo più grande limite...) "Put Your Back N 2 It" non disdegna, in ogni caso, la ricerca della speranza i cui segni, pur se al limite dell'indecifrabilità, giungono quasi inaspettati nella gospel-ballad di "Take Me Home" o negli echi Sufjan Stevens di "Dark Parts". Altrove, invece, il dolore fa il suo sporco lavoro, danzando un valzer tra pianoforte e chitarra ("Normal Song"), tentando solenni ascese al cielo ("All Waters"), producendosi in vaporose fluttuazioni del cuore (la title-track, le filigrane di archi di "17"), riverberandosi dentro voci-proiezioni che straziano ("No Tears", la chiacchierata "Hood", nel cui video compare l'attore porno gay Arpad Miklos) o evocando addirittura un Phil Collins isolato dal resto del mondo, dentro una bolla elettronica ("Floating Spit").
Mike è un ragazzo difficile perché la vita non è facile e una canzone non sempre riesce a salvarci. Anche perché, evidentemente, non sempre le canzoni riescono a reggere la sfida... (Ondarock)

Tracklist
1.Awol Marine
2.Normal Song
3.No Tear
4.17
5.Take Me Home
6.Dirge
7.Dark Parts
8.All Waters
9.Hood
10.Put Your Back N 2 It
11.Floating Spit
12.Sister Song

http://www.myspace.com/kewlmagik

Downham Jenny - Tu contro di me (2011)

2012-02-13T17:01:00.001+01:00

Due normali famiglie inglesi, una povera, i McKenzie, l'altra ricca, i Parker. Michael McKenzie è un ragazzo mite e sensibile. Lavora in un pub, ha due fratelli, una madre depressa e alcolizzata e un problema da risolvere: sua sorella Karyn è stata violentata da Tom Parker, che è stato arrestato ma subito messo in libertà vigilata grazie ai soldi e alle conoscenze del padre. Tom vuole vendicarsi, come minimo riempire Tom di botte facendosi aiutare da Jacko, il suo amico del cuore. Ma a casa dei Parker si festeggia il rilascio di Tom: non c'è nulla da fare. Eppure no, qualcosa ce: lo sguardo che Michael scambia con Ellis, la sorella minore di Tom. E amore a prima vista, anche se Ellis non sa nulla di Michael, e lui nulla le rivela di sé. Cerca piuttosto di carpire informazioni su Tom, mentre Ellis deve fronteggiare la cattiveria delle compagne di scuola e Karyn va in crisi. Ma alla fine Ellis scopre chi è veramente il suo innamorato. Non c'è più tempo, è lei ora a dover prendere una decisione: quella di dire finalmente la verità, tutta la verità su quella maledetta storia che ha rovinato la sua famiglia e quella di Michael.

Wild Driwing West – The Breakout

2012-02-13T10:45:00.001+01:00

The Breakout by Will Driving West

Hailing from Montreal, Will Driving West is headed by cinematic composer David Ratté. You can hear the chemistry of all the musicians, who are great musicians, the cello player being a masters student at McGill University. The title-track of their song The Breakout is the perfect representation of their abilities and doesn’t hesitate to highlight the beautiful cello playing of Camille Paquette-Roy. The album is definitely one that needs some careful attending to so check out their Bandcamp for more!

http://www.myspace.com/willdrivingwest

Shearwater – Animal Joy

2012-02-13T10:29:00.001+01:00

Debutto sotto Sub Pop per i Shearwater di Jonathan Meiburg, che quasi per seguire le origini della storica etichetta di Seattle, si cimentano nel disco più rock e diretto della loro discografia, realizzando comunque quello che è forse fino ad oggi il loro lavoro più compiuto.
Un disco da grandi platee che si apre però intimo, con la voce di Meiburg che guida Animal Life al finale corale e dal quale prende il via davvero il disco con tutti i suoi suoni e le sue ricercatissime musiche. Breaking the Yearlings è uno dei brani che sono serviti come lancio del disco ed è sorprendente nel suo incedere martellante a tratti epico, mentre i ritmi tornano a farsi vaporosi e delicati in Dread Sovereign, perfetta colonna sonora per una giornata di pioggia nel quale vi mettete a guardare qualche paesaggio addormentato; con You as You Were torniamo a quello stile fatto di grandi passaggi in crescendo, una tensione che con il passare dei secondi esplode in un finale anthemico che trasmette puro godimento. Sfuriata a tratti punk per Open Your House, conferma di una svolta più rock della band come da promesse e manifesto di questo “Animal Joy” ed ancora una volta centro fatto in pieno con un pezzo che mancava alla discografia della band e che dimostra come gli Shearwater abbiano nel loro bagaglio la capacità di suonare ogni forma di rock. Il passaggio toni accessi/lenti continua con Run The Banner Down, breve interemezzo soft a cui segue Pushing The River, brano tra i più canonicamente nello stile di Meiburg e compagni con la presenza di una sezione ritmica molto post-punkeggiante. Chiude il disco Star Of The Age, rock corale con la consueta ricchezza strumentale arricchita da una arpa, ma che ancora una volta segna un approccio più rock rispetto a quanto fattoci sentire nei lavori precedenti e la resa è davvero superlativa.
“Animal Joy” è quindi un grande disco, un lavoro importante per una band che giunta al capezzale della Sub Pop è pronta a prendere le redini del movimento folk-rock con un approccio che è diverso da quello di quasi tutti gli altri (Okkervil River compresi tanto per fare un esempio). Non è un disco perfetto, è però un disco che ha stigmate per diventare il disco in grado di consacrare gli Shearwater a livello mondiale. (Troublezine)

Tracklist
01. Animal Life
02. Breaking the Yearlings
03. Dread Sovereign
04. You as You Were
05. Insolence
06. Immaculate
07. Open Your Houses (Basilisk)
08. Run the Banner Down
09. Pushing the River
10. Believing Makes It Easy
11. Star of the Age

http://www.myspace.com/shearwater

Unbunny – Moon Food

2012-02-10T17:08:00.001+01:00

Moon Food by Unbunny

Già un pugno di album per etichette ruspanti e sparse, e adesso questo Moon Food che celebra il quindicesimo anno di attività per Unbunny, band dietro cui opera l'attività di songwriter di Jarid del Deo. Tutto un estro folk-rock sbilanciato sixties (l'enfasi acida, il trasporto fideistico) mantecato in un disincanto magico di quelli che Linkous buonanima ci distillava capolavori, coi germi del power pop ad illanguidire i contorni.
In queste dieci tracce per poco più di mezz'ora assistiamo perciò ad un gradevolissimo teatrino di situazioni melodiche che se non sembrano avere la forza per affondare il colpo riescono però a blandirti con garbo e arguzia. Un placido caleidoscopio dove scorgi i Birds tra fregole country e fervore religioso (Young Men Are Easy Prey), vivide cartoline Neil Young e raccomandate elettriche CSN&Y (Whispers), palesi tracce - appunto - Sparklehorse (Winning Streak, Landslide) e un impasto indefinibile di umori Lennon e Grandaddy (la splendida February Secret). Un piccolo disco da tenere caro. (Sentireascoltare)

Tracklist
01. Unbunny - Landslide (3:19)
02. Unbunny - Young Men Are Easy Prey (2:31)
03. Unbunny - Cell Phone (3:34)
04. Unbunny - Straw On A Camel's Back (2:53)
05. Unbunny - Winning Streak (3:34)
06. Unbunny - Are You Cautious? / Design Flaw (4:55)
07. Unbunny - Loose Wires (2:31)
08. Unbunny - Whisper (2:59)
09. Unbunny - You Run Like A Girl (2:24)
10. Unbunny - February Secret (3:27)

http://www.myspace.com/unbunny

Jacques Audiard – Il Profeta

2012-02-10T15:19:00.001+01:00

Un film di Jacques Audiard. Con Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, Hichem Yacoubi, Jean-Philippe Ricci, Gilles Cohen, Antoine Basler, Leïla Bekhti, Pierre Leccia, Foued Nassah, Jean-Emmanuel Pagni, Frédéric Graziani, Slimane Dazi, Rabah Loucif. Titolo originale Un Prophète. Drammatico, durata 150 min. - Francia, Italia 2009.

Malik El Djebena ha 19 anni quando viene condannato a sei anni di prigione. Entra con poco o nulla, una banconota ripiegata su se stessa e dei vestiti troppo usurati, che a detta delle guardie non vale la pena di conservare. Quando esce ha un impero e tre macchine pronte a scortare i suoi primi passi. In mezzo c’è il carcere, la protezione offertagli da un mafioso corso, l’omicidio come rito d’iniziazione, l’ampliarsi delle conoscenze e dei traffici, le incursioni in permesso fuori dal carcere, dove gli affari prendono velocità.
Ciò avviene all’interno di una prigione, il cinema lo ha già raccontato altrove meglio che qui, per non parlare di come nasce un padrino. Quello che fa Audiard, nel suo film, è prendere il genere per mostrarsi infedele, instaurare con esso un doppio gioco, come fa Malik con il boss corso, stare apparentemente nelle regole ma prendersi la libertà di raccontare anche molto altro.
Malik è uno che apprende in fretta. Impara ad uccidere ma, dallo stesso crimine, impara anche che nel carcere c’è una scuola dove possono insegnargli a leggere e a scrivere. Dalla scuola apprende un metodo, grazie al quale impara da autodidatta il dialetto franco-italiano della Corsica: di fatto si procura un’arma, che obbliga il capo a tener conto di lui. Dagli arabi impara a capire cosa vogliono, dai Marsigliesi impara a trattare, da un amico, forse, imparerà a voler bene.
I compagni di galera prendono a definirlo un profeta, perché lui è quello che parla, con gli uni e con gli altri, quello che porta i messaggi dentro e fuori, che conosce la gente che può far comodo negli affari. Egli fa grandi cose, insomma; la sua via è tracciata come quella di chi ha una missione.
Ancora una storia che ruota nell’universo tanto umano quanto traditore della comunicazione, dunque, dopo quella in cui Vincent Cassel leggeva dalle labbra e quella in cui Romain Duris si affidava alle note. Qui le lingue sono almeno tre, ma è quella silenziosa del sangue che sigla gli accordi, e il potere, in questo codice, è inversamente proporzionale al numero di parole che richiede.
La critica di Audiard alla mala educazione del sistema carcerario è evidente, talvolta aspra, talvolta sarcastica (le uscite per “buona condotta”), ma non è tramite la parola che si esprime: la sua lingua è quella della regia, di cui è interprete sicuro e abile. Quello che propone allo spettatore, qui come in tutte le sue opere, è l’immersione completa nel mondo che racconta, la sospensione del pre-giudizio, lo spettacolo della complessità di un personaggio maschile. La pretesa questa volta, però, va oltre l’offerta: nonostante l’ottimo Tahar Rahim, protagonista, Un prophète si dilata oltremodo, prova qualche artificio ma non fino in fondo, sfiora emozioni interessanti che abbandona troppo in fretta, si lascia imprigionare dalla materia che vorrebbe liberare. Un film più maturo dei precedenti, ma meno comunicativo.

Il voto di Pierolupo: 3/5
Alla fine un bel film ma troppo troppo lungo, due ore e mezza, e lento. E' vero che in galera possono succedere giusto quelle quattro cose e infatti sempre e solo quelle accadono. In più una criminalità rappresentata come quasi giustificata.

Mauro Corona - Come sasso nella corrente (2011)

2012-02-08T14:33:00.001+01:00

In una stanza immersa nella penombra un donna, giunta all'autunno della vita, si muove lentamente appoggiandosi a un bastone. Intorno a lei sculture di ogni tipo. La donna le sfiora e insegue il ricordo di un uomo. Un uomo schivo, selvatico, che però ha saputo rendere eterno nel legno il sentimento che li ha uniti. Ogni statua evoca un episodio della vita avventurosa che quell'uomo ha vissuto e amava condividere con lei, le difficoltà di un'infanzia di povertà e abbandoni, in cui la più grande gioia era stare con i fratelli e i nonni attorno al fuoco, la sera, imparando a intagliare legno, o sentire la vibrante intensità della natura durante una battuta di caccia. Ogni angolo arrotondato delle sculture fa affiorare in maniera dirompente l'orgoglio e la rabbia di quel giovane che, crescendo, aveva voglia di farcela da solo, cancellando le ombre del passato che lo tormentavano. Ma quei profili, quelle figure che ancora profumano di bosco, raccontano anche che l'amore può trovare pieno compimento solamente nella trasfigurazione, nel sogno, perché l'unica via per non rovinare quel sentimento vero e cristallino è allontanarlo dalle mani dell'uomo che, nella sua intrinseca incapacità di essere felice, finirebbe inevitabilmente per sprecarlo. Dai boschi che Mauro Corona ci ha insegnato ad ascoltare e ad amare si leva in questo romanzo una voce nuova, per molti versi inaspettata, a tratti dolente ma non perciò men energica.

Luca Bianchini - Siamo solo amici (2011)

2012-02-08T14:28:00.001+01:00

Giacomo è un portiere d'albergo veneziano. Rafael è un ex-portiere di calcio brasiliano. Sono entrambi a un appuntamento con il destino ma l'essere stati davanti a una porta è l'unica cosa che hanno in comune. Il primo, dopo cinque anni di attesa, sta per rivedere la donna della sua vita: una signora sposata il cui mantra è "non si bada a spese", eternamene in conflitto tra i precetti religiosi e quelli astrali. Il secondo insegue un'attrice di telenovela, in fuga dal personaggio che le ha rubato l'anima. In un incontro fortuito e surreale Giacomo e Rafael instaureranno un rapporto singolare a tratti equivoco, che li porterà a capire chi sono e cosa desiderano. A sparigliare i piani, in una storia squisitamente teatrale, ci si metteranno altre due donne: una prostituta d'alto bordo che pensa di assomigliare a Gesù, e una giovane cassiera ostaggio della famiglia meridionale e dei look di Lady Gaga. Sullo sfondo, oltre il via vai dei clienti dell'hotel, una Venezia tratteggiata come un acquerello, lontana dalle cartoline, in cui la gente parla ancora in dialetto, ha paura degli stranieri e non sa rinunciare a un prosecco prima di cena.

Tate Taylor - The Help

2012-02-06T10:56:00.001+01:00

Un film di Tate Taylor. Con Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Octavia Spencer, Jessica Chastain, Ahna O'Reilly, Allison Janney, Anna Camp, Chris Lowell, Cicely Tyson, Mike Vogel, Sissy Spacek, Brian Kerwin, Leslie Jordan, David Oyelowo, Wes Chatham, Roslyn Ruff, Shane McRae, Ritchie Montgomery, Tarra Riggs, Tiffany Brouwer, La Chanze, Carol Sutton, Aunjanue Ellis, Dana Ivey. Drammatico, Ratings: Kids+16, durata 137 min. - USA 2012.

Jackson, Mississippi. Inizio degli Anni Sessanta. Skeeter si è appena laureata e il primo impiego che ottiene è presso un giornale locale in cui deve rispondere alla posta delle casalinghe. Le viene però un'idea migliore. Circondata com'è da un razzismo tanto ipocrita quanto esibito e consapevole del fatto che l'educazione dei piccoli, come lo è stata la sua, è nelle mani delle domestiche di colore, decide di raccontare la vita dei bianchi osservata dal punto di vista delle collaboratrici familiari ‘negre' (come allora venivano dispregiativamente chiamate). Inizialmente trova delle ovvie resistenze ma, in concomitanza con la campagna che una delle ‘ladies' lancia affinché nelle abitazioni dei bianchi ci sia un gabinetto riservato alle cameriere, qualche bocca inizia ad aprirsi. La prima a parlare è Aibileen seguita poi da Minny. Il libro di Skeeter comincia a prendere forma e, al contempo, a non essere più ‘suo' ma delle donne che le confidano le umiliazioni patite.
Va detto innanzitutto che è stato meritato il riconoscimento andato ai Golden Globe a Octavia Spencer per il ruolo di Minny e che il film ne meriterebbe molti altri, soprattutto sul piano delle interpretazioni. Film corale al femminile (gli uomini hanno ruoli del tutto secondari) ispirato al romanzo omonimo di Kathryn Stockett (grande successo negli Stati Uniti) The Help ha il pregio di costituire un'efficace ossimoro. È tanto attuale quanto old style. Perché vedendolo la memoria va a film come La lunga strada verso casa, 1990, che vedeva Sissy Spacek (presente anche qui) al fianco di Whoopi Goldberg. La ricostruzione filologicamente correttissima di abiti, ambienti e comportamenti potrebbe rischiare di mangiargli l'anima traducendolo nell'ennesima rivisitazione dei tempi in cui Martin Luther King aveva un sogno e John Fitzgerald Kennedy se lo vedeva stroncare a Dallas. Ma proprio in quella che potrebbe essere la sua apparente debolezza sta la forza di un film che riproponendoci un passato apparentemente così lontano ci fa ‘sentire' (potremmo dire quasi ‘fisicamente') che la sottile, insidiosa linea rossa (per dirla alla Malick visto che qui la Chastain offre un'ulteriore prova del suo eccellente trasformismo recitativo) che separa l'integrazione razziale dal rifiuto non ha interrotto il suo percorso. Mentre osserviamo le vicende dell' “ieri” ci viene da chiederci se quei problemi siano stati risolti una volta per tutte e non solo negli States. La risposta è purtroppo negativa.
Una sensazione di rabbia impotente promana dallo schermo quando si assiste a soprusi mascherati dal bon ton così come all'emarginazione di chi, dalla parte di chi ha la pelle meno scura, osa ‘disturbare' un quieto vivere che per conservarsi tale ‘deve' ignorare i diritti di persone dal cui lavoro dipende il proprio benessere. È un film privo di raffinatezze linguistiche quello di Taylor e quindi forse per questo destinato a piacere poco alla critica ‘impegnata' (anche se ovviamente speriamo di essere smentiti). Tra i vari pregi ha però anche quello di ricordarci che la parola (detta e scritta) ha sempre avuto un valore di riscatto. Prima di rischiare di disperdersi nei talk show.

Il voto di Pierolupo: 5/5
“Il coraggio ha saltato una generazione. Ti ringrazio per averlo riportato in questa famiglia”. Il film racconta della cattiveria più intima, quella che umilia, che ti penetra dentro, che ti uccide senza permetterti di morire, racconta dei falsi sorrisi e dell'ipocrisia. Attrici tutte formidabili. Un vero capolavoro.

Gavin Wiesen – L’arte Di Cavarsela

2012-02-06T10:48:00.001+01:00

Un film di Gavin Wiesen. Con Freddie Highmore, Emma Roberts, Michael Angarano, Elizabeth Reaser, Sam Robards, Alicia Silverstone, Blair Underwood, Rita Wilson, Jarlath Conroy, Sophie Curtis, Ann Dowd, Marcus Carl Franklin, Ann Harada, Dan Leonard, Maya Ri Sanchez. Titolo originale The art of getting by. Drammatico, - USA 2010.

George è un adolescente solitario, dotato di una sensibilità che lo porta a tormentarsi sui grandi perché della vita. A scuola, passa il tempo a riempire di schizzi e disegni i libri di testo durante le ore di lezione e a fumare qualche sigaretta in cortile nelle ore libere, rischiando così di compromettere il diploma e la possibilità di andare al college. A turbare questa sua solitaria quiete da giovane misantropo, arriva un giorno Sally, una compagna di scuola affascinata da quei modi schivi, riservati e ingenuamente ribelli, che vede in lui un animo più affine rispetto a quello di tutti gli altri suoi amici ricchi e viziati. L'emarginazione volontaria di George comincia così lentamente a sciogliersi, man mano che sente crescere i suoi sentimenti per Sally.
C'è un potenziale giovane Holden in ogni angolo di Manhattan. Del romanzo di Salinger, per quanto non esista nessuna versione filmica ufficiale, conosciamo ormai una quantità di libere trasposizioni perlopiù provenienti dai cataloghi del Sundance. L'arte di cavarsela è una di queste: ennesima variazione dell'adolescente inquieto e senza prospettive sullo sfondo dello skyline newyorkese, che solo negli ultimi anni abbiamo riconosciuto in Igby goes down, L'amore giovane o Fa' la cosa sbagliata. Come i protagonisti di queste storie, George è un giovane scapigliato perso nella sua sensibilità e nella sua acerba incapacità di esprimersi, la cui insofferenza per le regole non è dovuta tanto a un senso di innata ribellione, quanto a un nostalgismo precoce che gli fa vivere con indifferenza il mondo circostante e gli scopi della vita. Oltre a Holden Caufield, c'è quindi un po' del nobile fatalismo del Bartleby di Melville, dell'abulia esistenziale dei personaggi di Camus, più un insieme di suggestioni letterarie, artistiche e filmiche di varia natura.
La formula standard del romanzo di formazione e della storia d'amore fra il platonico e il tormentato vengono perciò rispettate, così come quell'aria da film indipendente americano che guarda all'esistenzialismo europeo, citando esplicitamente “Lo straniero” o la versione di Zazie nel metrò diretta da Louis Malle. L'opera prima di Gavin Wiesen non si sforza quindi di andare in senso contrario rispetto agli stereotipi del cinema indie-teen. Anzi, come il suo protagonista, rimane inerme alle circostanze e asseconda tutti i cliché del genere, in particolare quelle scelte musicali che obbligano ad avere gli Shins, Leonard Cohen o qualche brano melodico di musica rock sempre in sottofondo. Tuttavia, dove Wiesen “se la cava” meglio è nella costruzione dei personaggi. Per quanto il titolo possa suonare infelicemente arrogante per un film che parla di adolescenti benestanti che vivono nei quartieri alti di Manhattan, L'arte di cavarsela tiene sospeso il proprio sguardo verso la vita agiata della borghesia newyorkese fra l'empatia e la critica. A cominciare dallo stesso George, in questo microcosmo scolastico e familiare dell'Upper West Side vivono figure al contempo affascinanti e fastidiose. È un universo senza buoni o cattivi, dove emergono tanto le vacuità e i fallimenti che l'indole più dolce dei vari caratteri, tanto il loro lato meschino e viziato che quello con meno asperità. Una New York popolata di adulti che accumulano divorzi e traslochi, troppo indulgenti e troppo libertari, e di adolescenti viziati ma sensibili, ognuno con grosse turbe sentimentali. Personaggi irrisolti e sfaccettati come lo è il film di Wiesen. Ma, in fondo, come lo è anche l'adolescenza.

Il voto di Pierolupo: 3/5
Nonostante le critiche negative che si leggono su internet, a me il film è piaciuto abbastanza. I due ragazzi hanno dei bei faccini da adolescenti e il film mi ha innescato dei ricordi… e la colonna sonora è molto bella.

Paola Zannoner - Dieci regole per amare (2010)

2012-02-05T15:40:00.001+01:00

L'amore ha le sue regole, ma seguirle non è semplice, perché quando si è innamorati il cervello e il cuore non comunicano. Lo sa bene Caterina, che si è appena messa con Marco, bellissimo, ribelle e misterioso. Capisce che lui non la tratta come dovrebbe e che forse è un po' troppo misterioso, ma continua a illudersi che la loro sia la storia d'amore perfetta e a perdonare i comportamenti scostanti del suo Principe Azzurro. Le dieci regole per amare, però, non mentono mai, e alla fine Caterina prende la sua decisione. Ma la reazione di Marco è imprevedibile, e stravolge ogni regola.

Tony Scott - Deja Vu

2012-02-04T00:00:00.001+01:00

Un film di Tony Scott. Con Denzel Washington, Val Kilmer, Paula Patton, Bruce Greenwood, Adam Goldberg, James Caviezel. Titolo originale Déjà Vu. Azione, durata 128 min. - USA 2006.

Doug Carlin è l’agente dell’ATF, sezione alcolici, tabacchi e armi da fuoco, incaricato di indagare sull’attentato terroristico che ha fatto esplodere e affondare un traghetto fluviale uccidendo centinaia di passeggeri. Lo stesso giorno, sulle rive del fiume viene rinvenuto il corpo senza vita di Claire Kuchever, una giovane donna che Doug sente di avere già conosciuto e amato perdutamente. Scoprirà presto che l’omicidio è collegato all’esplosione. Avvicinato da Pryzwarra, agente dell’FBI,
Doug è reclutato per la durata dell’indagine da un’unità segreta altamente tecnologica che gestisce informazioni satellitari, registrazioni digitali che ricostruiscono e osservano gli avvenimenti passati. Convinto di investigare un passato finito e accaduto che gli permetterà di scovare l’attentatore, Doug scopre che la scienza ha piegato quel passato fino a costruire un ponte col presente. Difficile resistere a Claire e alla tentazione di alterare il corso degli eventi.
Dopo il “re” di Steven Zaillian, anche Tony Scott scende nei fiumi melmosi della Louisiana post Katrina, rimpiazzando un disastro naturale con uno sociale: il terrorismo.
Nella prima lunghissima sequenza che prelude l’attentato, il regista concentra il momento più spettacolare del film, il più fedele al suo stile ipercinetico, adrenalinico e patinato. I suoni, le musiche, le risate e gli schiamazzi sollecitati fino a brillare nel fragore dell’esplosione introduttiva, basterebbero da soli a ripagare biglietto e spettatore. Lascia invece sconcertati l’improvvisa virata fantascientifica, la porta spazio-temporale passato/presente che corregge, fino ad annullarla, l’interessante trovata tecnologica di scorrere il passato, individuarne le falle e risolvere le indagini.
Imbarazzante è pure l’uso del dèjà vu, privo di qualsiasi implicazione filosofica e mero pretesto per raggiungere l’happy end sentimentale. Siamo insomma lontani dal dèjà vu visivo di Matrix, dall’imperfezione nel programma informatico di simulazione della realtà; il già visto e il già accaduto servono la storia d’amore tra Denzel Washington e la bella Paula Patton, alimentando il senso di familiarità dei due amanti. Un incipit magnifico e verosimile, una regia dinamica e sempre originale, tuttavia sprecati in una storia di fantascienza improbabile.

Il voto di Pierolupo: 2/5
Un film idiota, brutto, noioso, banale, confuso e troppo improbabile: non mi è piaciuto affatto. Tant’è vero che ci ho messo due sere a vederlo, mi sono addormentato troppe volte. Che due palle…

Wim - Wim

2012-02-02T18:31:00.001+01:00

WIM - WIM

There’s a recognisably cinematic air to WIM’s debut, which is a thing reviewers say when music conjures up something more substantial than just a 'mood'; when it evokes pictures, grainy or gleaming or exotic or deeply familiar.
In WIM’s case, it's a dark fairy tale – the old-fashioned, everybody-dies-in-the-forest gloom of a Christian Andersen original, or perhaps the seamy, misanthropic whimsy of Jean-Pierre Jeunet or Tim Burton. From the creepy-children chorale of See You Hurry to the waltzing accordion of John, WIM have mined evocative effects to create a polished yet pleasantly peculiar sound.
The band’s best asset is singer Martin Solomon. His voice is a lovely thing, supple and sweet; it’s often reminiscent of Rufus Wainwright’s, lean and crooning one moment and stretching into a careless falsetto the next. But Solomon lacks Wainwright’s arch self-awareness as a vocalist, and it’s hard to get a sense of the person behind the pipes. The lyrics are so steeped in earthy, old-fashioned mythology and emotions – seahorses and water-babies, lamp-posts and love notes and looms – that the songs often feel similarly impersonal.
Several songs with a ‘60s feel stand out in particular for some reason – the Abbey Road strut of Something For You, which has more than a little of Maxwell’s Silver Hammer in its wry guitars, and the wistful sturdiness of Monster And Me, which has Solomon channelling Ray Davies just a tad. But WIM also have a way with a tune, and the ones here are almost uniformly lovely, melodies of hills and valleys, bucolic and rolling.
WIM are not quite the groundbreaking folk-pop pioneers we’ve been led to expect from a couple of years of gentle hype, but this is a signing experiment that should pay off for Modular in the long run.

Tracklist
1. WIM - Colossus 5.07
2. WIM - See You Hurry 4.21
3. WIM - Something For You 4.40
4. WIM - America 3.14
5. WIM - In The Morning 3.07
6. WIM - John 5.14
7. WIM - Monster And Me 4.16
8. WIM - Moth 4.17
9. WIM - Over The Mountains 9.21

Bent Hamer - Il Mondo Di Horten

2012-02-01T18:44:00.000+01:00

Un film di Bent Hamer. Con Baard Owe, Espen Skjønberg, Ghita Nørby, Henny Moan, Bjørn Floberg, Kai Remlow, Per Jansen, Bjarte Hjelmeland. Titolo originale O' Horten. Commedia, Ratings: Kids+13, durata 90 min. - Norvegia, Germania, Francia 2007.

Odd Horten, scapolo taciturno, ha guidato lo stesso treno sulla stessa tratta, Bergen-Oslo, per così tanto tempo che anche il resto della sua vita è scandita dall'osservanza di monotoni e rassicuranti rituali. Dopo quarant'anni di onorato servizio, per l'ingegnere sessantasettenne è ormai giunta l'ora di andare in pensione.
Noto in Italia per Kitchen Stories, un'indagine sociologica sugli usi di uomini single norvegesi nella propria cucina, e per Factotum, dove Matt Dillon interpreta magistralmente uno scrittore nato dalla penna di Charles Bukowski, Il mondo di Horten è la quinta pellicola del norvegese Bent Hamer, regista pluripremiato, sceneggiatore e produttore.
Dedicato alla madre e a tutte le donne che praticano il salto con gli sci, nel Mondo di Horten l'autore tratteggia con grande sensibilità un universo che poggia sui ritmi lavorativi, nel quale irrompe, d'un tratto, il caso, la possibilità di potersi gestire il proprio spazio e tempo, di rimettersi in gioco.
Odd Horten è un uomo ordinato, che si prepara ogni giorno il cibo prima di andare al lavoro, che si occupa delle faccende domestiche, che accudisce amorevolmente la madre ammalata. Dalla sua cabina di guida, osserva il mondo esterno, attraversa, col suo treno, meravigliosi paesaggi norvegesi, fino ad entrare nel cuore della città. Si direbbe un traghettatore di anime, un conducente verso altri mondi, eppure, dopo la sua penultima tratta - l'ultima, per un curioso disguido, non riuscirà a portarla a termine -, in realtà sta per dare inizio soltanto in quel momento al suo viaggio iniziatico nella realtà. È in quel mondo, che fino ad allora ha visto soltanto attraverso il vetro della propria postazione, che dovrà immergersi e lo spettatore, insieme a lui; e lo farà, mettendosi gli sci ai piedi e lanciandosi da un trampolino di lancio di Oslo. Quel "tuffo" sulla città metaforicamente condensa il senso del film: non è mai troppo tardi per provare a vivere, per reinventarsi.
Sullo sfondo di una Norvegia innevata, dove l'elemento naturale e lo spazio urbano interagiscono in un tutt'uno, emerge un delicatissimo ritratto di un'umanità varia e singolare, che ancora riesce a emozionarsi, a sorridere, ad avere piccoli gesti di solidarietà. Nel corso del suo percorso Odd Horten si imbatterà, infatti, in alcune figure come un bambino che lo coglie in flagrante nel proprio appartamento perché il portone di ingresso del condominio si è rotto, come una donna, da poco vedova, che conosce le sue marche preferite di pipe e come un diplomatico amante di arti primitive/inventore incompreso, col vezzo di guidare per le strade con gli occhi bendati.
Coi toni da fiaba, Il mondo di Horten riflette la precisione del narratore che riesce visivamente a creare atmosfere dense di poesia, venate talvolta di lieve ironia e di un surrealismo alla Tati. Bent Hamer delinea poco alla volta con efficacia una figura che riesce a far fronte alle difficoltà e ai bruschi cambi di rotta della propria esistenza. Bravo l'attore Bård Owe, lo si era visto in Europa e ne The Kingdom - Il regno di Lars von Trier.

Il voto di Pierolupo: 2/5
Questo film ha una trama veramente insignificante. Ci sono un sacco di scene inutili che non portano da nessuna parte, come la scena dell'aeroporto o quella dell'arresto del cuoco del ristorante. Noioso, senza colpi di scena, pieno di roba assurda come la guida dell’auto alla cieca e il salto dal trampolino con sci antidiluviani. Insomma, una cagata.

Guillaume Musso - Quando si ama non scende mai la notte (2008)

2012-02-01T17:05:00.001+01:00

Mark e Nicole Hathaway sono giovani, affermati, felici. Lui è un brillante psicologo, lei una talentuosa violinista. Vivono in una splendida casa di Brooklyn e hanno una figlia adorabile, Layla. Non ci sono nubi sul loro orizzonte. Ma un orribile giorno, Layla scompare misteriosamente da un centro commerciale di Los Angeles, dove la madre è in tournée. In pochi minuti si consuma una tragedia assurda, incomprensibile, che lascia Mark e Nicole in preda alla disperazione più profonda. Una disperazione che logora e annichilisce, e spinge Mark, dopo mesi di angoscianti ricerche, ad abbandonare casa, lavoro e Nicole per perdersi a sua volta nei bassifondi della città, con la sola compagnia del suo inestinguibile dolore. Ma cinque anni dopo, Nicole riesce a rintracciarlo: deve dargli una notizia sconvolgente, Layla è stata ritrovata nello stesso luogo da cui era scomparsa senza lasciare tracce. Stordito dalla gioia, Mark si precipita a Los Angeles per riportare a casa la sua bambina. È la realizzazione di un sogno che pareva impossibile: la felicità è di nuovo a portata di mano. A bordo del volo per New York, le storie di Mark e Layla si incrociano con quelle di Evie e Alyson, che fanno i conti con un passato ineluttabile come una condanna: Evie è affranta da un lutto che le toglie il respiro; Alyson è divorata da una colpa inconfessabile, che la schiaccia e la corrode. Unite da un solo destino, le loro vite si affacciano a un bivio inaspettato.

David Cronenberg – A Dangerous Method

2012-02-01T13:10:00.001+01:00

Un film di David Cronenberg. Con Michael Fassbender, Keira Knightley, Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Sarah Gadon, Katharina Palm, Christian Serritiello, Franziska Arndt, Clemens Giebel, Andrea Magro. Drammatico, Ratings: Kids+16, durata 93 min. - Gran Bretagna, Germania, Canada 2011.

Zurigo 1904. Carl Gustav Jung ha ventinove anni, è sposato, in attesa di una figlia e affascinato dalle teorie di Sigmund Freud. Nell'ospedale Burgholzli in cui esercita la professione di psichiatra viene portata una giovane paziente, Sabina Spielrein. Jung decide di applicare le teorie freudiane sul caso di questa diciottenne che si scoprirà aver vissuto un'infanzia in cui le violenze subite dal padre hanno condizionato la visione della sessualità. Nel frattempo Freud, che vede in Jung il suo potenziale successore, gli manda come paziente lo psichiatra Otto Gross, tossicodipendente e dichiaratamente amorale. Saranno i suoi provocatori argomenti contro la monogamia a far cadere le ultime barriere e a convincere Jung ad iniziare una relazione intima con Sabina.
Non è difficile capire quanto questa sceneggiatura (che risale alla metà degli anni Novanta) e soprattutto questa storia con protagonisti che hanno rivoluzionato le scienze umane abbiano suscitato l'interesse di David Croneberg attento, come sempre, a vicende in cui siano centrali la complessità dell'essere umano e il coacervo di sentimenti e pulsioni che ne promuovono l'agire. Non c'è carne esposta o martoriata in questo film e neppure la violenza che esplodeva improvvisa nelle sue due ultime opere. C'è semmai un ritorno all'indagine della psiche già affrontato in Spider sotto l'egida di un romanzo di McGrath.
Sul rapporto tra Sabina Spielrein e Jung si era già puntata la macchina da presa di Roberto Faenza quando girò Prendimi l'anima. Cronenberg assume la stessa prospettiva mostrandoci l'evolvere della relazione Jung/Spielerein ma entrando in profondità anche nel rapporto maestro/discepolo che si va costruendo tra Freud e Jung. Una giovane donna urlante riempie lo schermo e una carrozza nelle prime inquadrature del film. Quel grido progressivamente si placherà ma resterà sempre sottotraccia, pronto a riemergere. Perché a Cronenberg interessa analizzare ancora una volta la fragilità dell'agire anche quando, a livelli culturali elevati, si tenta di lavorare sullo smascheramento delle cause del disagio finendo poi con il precipitarvi. C'è un'inquadratura di Carl Gustav e Sabine sdraiati vicini sul fondo di un'imbarcazione. Sembrano prigionieri di una bara in cui cercano di allentare una passione che contrasta con il lavoro che compiono sui pazienti e con la stessa deontologia professionale. In questo film poi i segni dell'elaborazione delle pulsioni cercano di trovare un incanalamento nella parola. Non solo in quella detta in sede di analisi ma anche in quella, scritta, del carteggio intercorso tra i tre protagonisti. Se Freud ammise il contributo dato dalla Spielrein alla psicoanalisi, Jung non lo fece, ma anche nel suo caso l'apporto è innegabile. Gli splendidi titoli di testa e di coda ci ricordano come i segni dell'inchiostro, su una carta che assume la porosità della pelle, abbiano inciso profondamente sulla storia del Novecento passando attraverso le illuminazioni e le contraddizioni di tre personalità in costante ricerca.

Il voto di Pierolupo: 2/5
Sono un grande estimatore di Cronenberg e sono rimasto molto deluso di questo film, niente delle geniali opere precedenti del regista. Anche i contenuti mi sono sembrati banali e scontati. Non è un polpettone ma quasi, per perdere un’ora e mezza c’è di meglio. Molto brava senz’altro la Knightley, ma poco credibile, quando passa da una condizione psicofisica estrema ad un'apparente normalità.

Sieben - The Line And The Hook

2012-01-31T16:37:00.001+01:00

The Line and the Hook is the second full-length release from Sieben, a duo consisting of Matt and Jane Howden. Matt Howden is perhaps the most prolific artist currently residing on the World Serpent roster. Aside from Sieben, Matt Howden is a solo artist; violinist and producer for Sol Invictus; studio svengali of his own Redroom studio. The Line and The Hook forsakes much of the ethereal sound of Sieben's acclaimed debut, Forbid The Sun's Escape, recorded as a trio with Sally Doherty (of the Sumacs, and Sol Invictus) for a darker more aggressive sound based around solid bass throb and passionate drumming. Yet it's Howden's layering of additional instruments that makes The Line and the Hook so compelling; the soaring and surging violin, sweeping strings and upfront vocalisations paired with Jane's softer voice. Howden excels as a composer and The Line and The Hook slips effortlessly from intensity to something more atmospheric and restrained. The overall tone is sombre and melancholic reflecting the album's war based theme. 'Christmas 1914' is particularly poignant with lyrics culled from an anthology of poetry from his father, or 'Völkerschlachtdenkmal' which draws its inspiration from the battle monument in Leipzig, while 'Northern Lights' reflects the impermanence of life. The Line and The Hook, like the reappraisal of 'Second Witchwords' from Forbid The Sun's Escape, is a hugely moving and passionate piece of work that really does deserve your attention. Compulsion online interviewed Matt Howden when his first solo album Intimate and Obstinate was released. For more information contact www.matthowden.com.

Tracklist
• Völkerschlachtdenkmal
• No less than all
• Christmas 1914
• Promises of an earth sufficient
• Light shines
• A name
• Back to the fire
• Northern lights
• Footsoldier
• Second witchwords
• My ideology
• Old gods
• Denkmal

http://www.myspace.com/matthowden7

Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne – Il Ragazzo Con La Bicicletta

2012-01-27T15:41:00.001+01:00

Un film di Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne. Con Jérémie Renier, Cécile De France, Olivier Gourmet, Thomas Doret, Fabrizio Rongione, Egon Di Mateo. Titolo originale Le Gamin Au Vélo. Drammatico, Ratings: Kids+13, durata 87 min. - Belgio, Francia, Italia 2011.

Cyril ha dodici anni, una bicicletta e un padre insensibile che non lo vuole più. ‘Parcheggiato' in un centro di accoglienza per l'infanzia e affidato alle cure dei suoi assistenti, Cyril non ci sta e ostinato ingaggia una battaglia personale contro il mondo e contro quel genitore immaturo che ha provato ‘a darlo via' insieme alla sua bicicletta. Durante l'ennesima fuga incontra e ‘sceglie' per sé Samantha, una parrucchiera dolce e sensibile che accetta di occuparsi di lui nel fine settimana. La convivenza non sarà facile, Cyril fa a botte con i coetanei, si fa reclutare da un bullo del quartiere, finisce nei guai con la legge e ferisce nel cuore e al braccio Samantha. Ma in sella alla bicicletta e a colpi di pedali Cyril (ri)troverà la strada di casa.
Dalla prima inquadratura il piccolo protagonista de Il ragazzo con la bicicletta infila quella precisa traiettoria che seguivano prima di lui l'adolescente di La promesse, la Rosetta del film omonimo, il padre falegname de Il figlio e ancora il giovane disorientato de L'Enfant. Dentro a una corsa possibile verso una soluzione che arriverà, i Dardenne rinnovano l'interesse per l'infanzia incompresa, che tiene testa e non si assoggetta al mondo degli adulti, fronteggiandolo con improvvise fughe e un linguaggio impudente. Di nuovo è la fragile pesantezza dell'essere, che condizionava (già) le azioni dei protagonisti precedenti, il centro del film. Dopo il tentativo di rinnovamento formale e prospettico del loro cinema (Il matrimonio di Lorna), i fratelli belgi ritrovano la cinetica e un personaggio che avanza negli spazi attraversati e nel proprio destino. Come nel Matrimonio di Lorna sarà l'irruzione di un improvviso atto d'amore a travolgere, fino ad annullare, l'indifferenza di un padre colpevole di abbandono e dello sbandamento emotivo del figlio.
Thomas Doret incarna con lirismo lo spirito gaio e selvaggio dei mistons di Truffaut, di cui riproduce i comportamenti anarchici e antiautoritari negli esterni e in mancanza di interni domestici e familiari adeguati. Cyril, figlio ripudiato con gli anni in tasca, resiste a muso duro al vuoto affettivo che lo circonda, pedalando dentro e attraverso la paura, intestardendosi nel silenzio o facendo il diavolo a quattro. Il reale per il fanciullo è sempre in agguato ma ad esso si oppone ‘aggrappandosi' e stringendosi forte a una figura femminile bella e raggiungibile come una mamma. Cécile de France, sopravvissuta allo tsunami di Clint Eastwood, è il volto e il corpo che Cyril vuole per sé, la figura materna che pretende e a cui si concede. La loro relazione procede per tentativi ed errori, come ogni processo di apprendimento, producendo una passeggiata a due ruote di grande forza espressiva e creativa. Una promenade che risana lo scarto dell'essere stati generati senza essere stati appropriatamente allevati, ma prima ancora desiderati. Samantha e il suo negozio di coiffeur diventano allora l'ancora di salvezza e il riscatto sociale per quel ‘ragazzo selvaggio', sempre fiero, sempre contro. Se come sosteneva Luigi Comencini mettersi al livello dell'infanzia è l'unico modo per liberarla, i Dardenne accreditano e ribadiscono la sua affermazione, accompagnando la corsa di Cyril verso una raggiunta consapevolezza e un nuovo elemento: l'amore.

Il voto di Pierolupo: 3/5
Aspettavo di vedere il film dei fratelli belgi, l'ho visto e ho sentito ben poche emozioni. Una storia ordinaria di un bambino disadattato con ragione, per carità… La donna è la fata turchina di pinocchio, sceglie un ragazzino sconosciuto piuttosto che l’uomo che ama, per me è poco credibile.

Nicolas Winding Refn - Drive

2012-01-26T23:29:00.001+01:00

Un film di Nicolas Winding Refn. Con Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Albert Brooks, Ron Perlman, Christina Hendricks, James Biberi, Kaden Leos, Steve Knoll, Oscar Isaac, Jeff Wolfe, Tiara Parker, Chris Muto, Tina Huang, Joe Pingue, Christian Cage. Titolo originale Drive. Azione, Ratings: Kids+16, durata 95 min. - USA 2011.

Drive (non ha un nome) ha più di un lavoro. È un esperto meccanico in una piccola officina. Fa lo stuntmen per riprese automobilistiche e accompagna rapinatori sul luogo del delitto garantendo loro una fuga a tempo di record. Ora Driver avrebbe anche una nuova opportunità : correre in circuiti professionistici. Ma le cose vanno diversamente. Driver conosce e si innamora di Irene, una vicina di casa, e diventa amico di suo figlio Benicio. Irene però è sposata e quando il marito, Standard, esce dal carcere la situazione precipita. Perché Standard ha dei debiti con dei criminali i quali minacciano la sua famiglia. Driver decide allora di fargli da autista per il colpo che dovrebbe sistemare la situazione. Le cose però non vanno come previsto.
Basato sul romanzo omonimo di James Sallis Drive, presentato in concorso al Festival di Cannes dà l'impressione della banalità messa in bella copia. Chiunque legga la sinossi di cui sopra si rende conto di come, contesto automobilistico a parte, si tratti di una storia visitata e rivisitata dal cinema innumerevoli volte. Nicolas Winding Refn sembra pensare che la trasformazione del mite (per quanto a disposizione per ‘colpi' non suoi) Driver in un violento raddrizzatorti (ovviamente per inatteso amore, anche paterno) possa essere sufficiente. Ma è necessario essere David Cronenberg per saper dosare con la giusta consapevolezza i toni di un progressivo scatenarsi di pulsioni tenute a freno. Winding Refn non si rivela all'altezza del compito che si è prefisso convinto com'è che basti far scorrere un po' di sangue in più per ottenere il risultato. Non basta.

Il voto di Pierolupo: 4/5
Il film mi è piaciuto molto, e ha una interessantissima colonna sonora, è un film di emozioni, silenzi e sguardi. Un attore protagonista con una notevole faccia di gomma, molto silenzioso ma di effetto. Forse un pò di violenza superflua, se devo trovare un difetto.

Sepiamusic - Trenches

2012-01-24T09:09:00.001+01:00

Trenches by Sepiamusic

Copenhagen-based Sepiamusic began in late 1999, when singer Erin Chapman and producer Michael Adler Miltersen joined forces out of a handshake agreement to “give it a go and see what happens”. Born and raised in Denmark.Michael has been integrating music into his life since childhood and in his early teens, he began to write songs and experiment with electronic music. Orginially from USA, Erin had a passion for both music and art growing up, focusing primarily in creative fields. Upon meeting Michael in Denmark in1998, Erin placed music in the forefront and the combo released their first demo in 2000.

Tracklist
1. Stone
2. Skin
3. R.I.D.
4. Crazy Burn
5. Sweet Pollution
6. Make This Easier
7. New Horizons
8. The Searchers
9. Prototype
10. Stars
11. In Your Eyes
12. Trenches

http://www.myspace.com/sepiamusic

Oliver Parker – Johnny English La Rinascita

2012-01-23T23:05:00.001+01:00

Un film di Oliver Parker. Con Rowan Atkinson, Richard Schiff, Tim McInnerny, Burn Gorman, Ben Miller, Mark Ivanir, Togo Igawa, Christina Chong, Ian Shaw, Josephine de la Baume, Daniel Kaluuya, Mandi Sidhu, Chris Mansfield, Seelan Gunaseelan, Pierce Brosnan, Rosamund Pike, Dominic West, Gillian Anderson. Titolo originale Johnny English Reborn. Commedia, Ratings: Kids, durata 101 min. - Gran Bretagna 2011.

Autoesiliatosi in un monastero shaolin in seguito al fallimento di un'importante missione di sicurezza internazionale Johnny English è richiamato d'urgenza dall'MI5 perchè, malgrado la nomea che si è fatto e l'antipatia dei suoi colleghi, è l'unico in grado di sventare l'attentato previsto contro il primo ministro cinese.
Il primo film di Johnny English arrivava a cercare un rilancio da protagonista per la carriera di Atkinson, prima impantanato nel gigantesco successo del suo mr. Bean e successivamente impiegato da Hollywood in ruoli da comprimario e caratterista.
A quasi 8 anni di distanza (e con un lungometraggio dedicato a mr. Bean in mezzo) arriva un altro film sulla spia inglese, più centrato sulla trama, meno dedicato alle gag (sebbene comico) e disperatamente in cerca di una “modernità”.
Johnny English - La rinascita vuole infatti inserirsi in un filone di parodie che non sono tali, che si differenziano dagli spoof classici (quelli di Mel Brooks) perchè rinnegano la componente più demenziale e metacinematografica per concentrarsi sul film e realizzare un ibrido, fatto di fedeltà al genere e comicità. Parodie per un'era in cui tutto si mescola.
La sola volontà non basta però, Johnny English - La rinascita tentando di essere entrambe le cose (un film serio di spionaggio e una commedia) non riesce ad essere nessuna delle due. Con una trama prevedibile in ogni svolta, raccontata senza nessun guizzo e un umorismo spesso azzeccato ma di certo classico in ogni componente, qualsiasi velleità di modernità si infrange contro una messa in scena che non risparmia in prevedibilità.
I modelli di Atkinson rimangono sempre i migliori (l'inadeguatezza unita all'arroganza del Clouseau di Sellers) e la sua abilità nella comicità slapstick senza parole è immutata, a cambiare sono le ambizioni intorno a lui, la portata dell'opera che vuole realizzare e l'idea di essere, oltre che comico, anche cineasta (è lui il primo a ricordare come segua qualsiasi passo dei suoi film pur non essendone regista, dalla scrittura fino alla sala di montaggio). Come i grandi comici del passato Atkinson ha una maschera unica che interpreta con maestria, forse per questo si adatta male ad un tempo in cui si chiede a tutti di saper fare tutto per essere dei grandi.

Il voto di Pierolupo: 2/5
Dove è finito il divertente Mr. Bean del film L’ultima Catastrofe alle prese con "La madre" di Whistler? Questo film purtroppo è una cagata pazzesca, non c'è niente che faccia ridere, ottimo contro l’insonnia, infatti ho dormito alla grande. Spero che la serie finisca qui.

Andrea Camilleri - Il diavolo certamente (2012)

2012-01-23T19:22:00.001+01:00

Due filosofi in lotta per il Nobel, un partigiano tradito da un topolino, un ladro gentiluomo, un magistrato tratto in inganno dal giallo che sta leggendo, un monsignore alle prese col più impietoso dei lapsus, un bimbo che rischia di essere ucciso e un altro capace di sconvolgere un'intera comunità con le sue idee eretiche... E ancora: una ragazza che russa rumorosamente, un'altra alle prese con il tacco spezzato della sua scarpa, una segretaria troppo zelante, una moglie ricchissima e tante, tante donne che amano. 33 racconti di 3 pagine ciascuno: 333 e non 666, perché questo, come tutti sanno, è il numero della Bestia, e non si discute sul fatto che mezzo diavolo sia meglio di uno intero. In ogni racconto, il diavolo suggella la storia con il suo inequivocabile zampino: nel bene o nel male, a noi lettori l'ardua sentenza. Perché questi racconti sono percorsi da una meditazione accanita e sottile sul senso delle umane sorti, del nostro affannarci per mentire o per apparire, della nostra idea di felicità; i due apologhi filosofici che aprono e chiudono la raccolta non sono che il disvelamento di una trama che sottende tutta la narrazione. Un dettaglio luciferino può cambiare segno a una vita intera, ma proprio per questo quella vita - sembra dirci sorridendo Camilleri - vale sempre la pena di viverla senza risparmio.

Andrea Fazioli - La sparizione (2010)

2012-01-23T19:16:00.001+01:00

Natalia ha diciassette anni, studia al liceo, è una ragazza graziosa, con una vita normale. Ma il dolore bussa alla sua porta: il padre, un medico di Lugano, muore d'infarto e lei, per affrontare il lutto, si rifugia con la madre nella loro casa di Corvesco, tra le montagne del Canton Ticino. E lì un delitto sconvolge il suo già difficile equilibrio. Natalia, di colpo, smette di parlare. I suoi ricordi sono confusi, forse ha visto qualcosa, ma non riesce a esprimersi: lo shock le ha chiuso la bocca. Suo padre ha lasciato in giro delle carte che nascondono un mistero inquietante, e nel paese cresce la tensione. Natalia ha paura, non sa più di chi fidarsi, fugge. Ma poi fa uno strano incontro. Il caso vuole che a Corvesco abiti anche Elia Contini, il protagonista dei precedenti romanzi di Andrea Fazioli. Il fatto che abbia smesso di fare il poliziotto privato e si arrabatti in un giornale di provincia non toglie nulla alla sua curiosità e alla sua vocazione a tuffarsi nei guai. Così, suo malgrado, Contini si trova alle prese con un nuovo enigma: cosa faceva Natalia nel bosco, da chi si sentiva minacciata? Attorno all'ex detective e alla ragazza che tace si muovono personaggi soltanto in apparenza irreprensibili: poliziotti, medici, avvocati. E nella geografia circoscritta del Canton Ticino che si succedono i colpi di scena di una storia il cui sottile filo d'ironia non cancella i risvolti drammatici. E dove il silenzio della paura diventa la paura del silenzio.

Sieben - Sex And Wildfowers

2012-01-23T19:11:00.001+01:00

Tornano le vibrazioni nordiche più pure e innovative di tutto il patrimonio folk-wave odierno. Il fuoco compositivo di Matt Howden questa volta và ad insediarsi tra gli spigoli sensuali dei "Fiori Selvatici", dove le pulsioni si accentuano e le emozioni penetrano indelebilmente. 13 nuove canzoni riflettenti melodie sempre più sinuose ed energie narrative incontaminate, ciclici rapimenti tra la lussuria della natura, la magia dell'arte e gli oscuri scherzi del cuore. Seguiamo la brezza dei contenuti... In apertura troviamo "Spring Snowdrop", placida e solenne come le piramidi etniche di Brendan Perry, ricoperta da sottili e smeraldi risvegli. Evocativa è "Forget Me Not", con le classiche arie Howden-iane e percussioni semi-ritualistic. Ascendenti archi nel vento dorato di "Love's Trumpet". Sensualità silvane nella malinconica "Virgin in the Green". Turbolenti scintille tra gli occhi purpurei di "John in the Pulpit", tra queste fervide visioni ricordiamo "Henry's Dream" di Nick Cave. Solitudini floreali appassiscono nelle immagini di "Knudlustysummer". Le possenti ballate "Deadly Nightshade" e "Bleeding Heart" si sdoppiano in riflessioni di abbandono ed esortazione. Severità consapevoli tra l'esistenza sicura di "Winter Snowdrop". Transiti suadenti attraversano i desideri di "Love's Promise". Fluisce ansiosa e sommessa "Love's Other Trumpet". Sospiri avvelenati nella decadente e poetica "Loki's Lust and Punishment". Distorsioni impetuose nei dilemmi atavici di "Deathlust". Forse l'album più solido e completo del progetto Sieben, maturità artistica ormai travolgente ed affidabile, brillanti doti creative forgiate per descrivere l'atmosfera rituale della tradizione e l'avanguardia spirituale degli elementi. ...E la vernice delle stagioni tornò per idolatrare ancora una volta il 'legno sonoro' di Sieben. (Unmute)

Tracklist
• Spring snowdrop
• Forget me not
• Love's trumpet
• Virgin in the green
• John in the pulpit
• Knudlustysummer
• Deadly nightshade
• Bleeding heart
• Winter snowdrop
• Love’s promise
• Love’s other trumpet
• Loki’s lust and punishment
• Deathlust

The Strange Death Of Liberal England – Forward March!

2012-01-19T14:54:00.001+01:00

Con un nome così (che ruba l’ambito scettro dell’eccentricità ai gallesi Victorian English Gentlemen Club, decretandone in qualche modo la “strana” morte) questo esordiente quintetto londinese ha senz’altro buone possibilità di conquistare il cuore palpitante di qualche laureando in ermeneutica filosofica con un debole per i funambolismi verbali. A un nome del genere non può certo corrispondere un gruppo indie “normale”, uno di quelli che sembra vivere in un weekend perenne, alle prese con i soliti problemi di cuore e attanagliato dall’insolubile dubbio circa la quantità di birra che può essere contenuta da uno stomaco malconcio in condizioni normali.
Chiaramente gli Strange Death Of Liberal England hanno un piglio più marcatamente arty rispetto a tanti loro coetanei e sembrano guardare con una certa insistenza attraverso i loro binocoli deformanti al di là della Manica e del proprio ombelico, in direzione degli Stati Uniti, ma soprattutto del Canada (nel caso specifico quello di Arcade Fire, Wolf Parade e Broken Social Scene), vera e propria San Salvador del rock indipendente verso la quale un numero sempre maggiore di gruppi indirizza la propria rotta in cerca di materie ancora vergini da poter sfruttare. Non per niente si attende a breve l’esordio sulla lunga distanza della band in qualche modo gemella (per attitudine stilistica) di questi SDOLE, ovvero i Los Campesinos!, quasi a decretare la nascita di una nuova tendenza o grande migrazione “canadese” dei gruppi britannici.
Già il sottotitolo fornito dal gruppo inquadra alla perfezione l’essenza della sua musica: “Eight Traditional Marching Songs” si legge e di questo in fondo per la precisione si tratta, ovvero dell’improbabile canzoniere di una squinternata e farneticante banda di paese prestata ai meccanismi più o meno consueti della produzione indie più recente. L’apertura delle danze è affidata a “Modern Folk Song”, che parte bucolica e sognante con pacatissime trame di chitarra acustica (molto folk per l’appunto) e si lascia poi azzannare all’improvviso alla giugulare da una chitarra distorta e urlatrice che ricorda molto da vicino, nel suo ingresso inferocito e fiottante, i (da poco tornati in pista) British Sea Power, ai quali i nostri, già a partire dal nome, qualcosa con tutta evidenza devono, compresa la tendenza ad assecondare i guizzi più spericolati della propria fervida immaginazione.
Ma è ascoltando le successive “I Saw Evil”, “Day Another Day” e “Mozart on 33” che diventa davvero difficile, se non impossibile, non pensare agli Arcade Fire, con tutto quel rigoglioso fiorire di debordanti crescendo strumentali e una generale e progressiva “verticalizzazione” del suono lungo un’iperbole sempre più tesa e inarcata (come in un inno religioso), ulteriormente accentuata dallo scampanare festoso di cori all’unisono intrisi di epica, che tanto avevano colpito all’epoca dell’uscita di “Funeral” e che sono oggi diventati patrimonio comune di numerosissime band, a riprova dell’inconfutabile classicità, nel bene e nel male, di quel disco irripetibile.
Volendo, qua e là si trova anche qualche accenno di Modest Mouse, anzi i più maligni potrebbero anche definire questo Ep una collezione di scoppiettanti “Float On” a qualche centimetro dalla deflagrazione, che finiscono troppo spesso con l’imbrattarsi i pantaloni nella propria incontenibile grandeur (a parte forse “Old Fashioned World”).
Resta il fatto che per ora alla lenza variopinta (la finale “Summer Gave Us…” è addirittura un pezzo post-rock nella migliore tradizione di Mogwai e compagni) di questo giovane gruppo abbiano abboccato soltanto canzoni di taglia medio piccola, talvolta vivaci e a tratti guizzanti, ciò non esclude che potremmo comunque avere presto tra le mani, mediaticamente parlando, i Clap Your Hands Say Yeah del 2008. (Ondarock)

Tracklist
1.Modern Folk Song
2.Oh Solitude
3.Day Another Day
4.Old Fashioned War
5.Mozart On 33
6.I Saw Evil
7.God Damn Broke And Broken Hearted
8.Summer Gave Us Sweets But Autumn Wrought Division

http://www.myspace.com/tsdole

Dany Boon – Niente Da Dichiarare?

2012-01-19T00:08:00.001+01:00

Un film di Dany Boon. Con Benoît Poelvoorde, Dany Boon, Julie Bernard, Karin Viard, François Damiens, Bouli Lanners, Olivier Gourmet, Michel Vuillermoz, Christel Pedrinelli, Joachim Ledeganck, Philippe Magnan, Jean-Paul Dermont, Nadège Beausson-Diagne, Eric Godon, Zinedine Soualem, Guy Lecluyse, Laurent Gamelon, Bruno Lochet, Laurent Capelluto. Titolo originale Rien à déclarer. Commedia, durata 108 min. - Francia 2010.

Nella primavera del 1986, Ruben Vandevoorde, un doganiere belga severo e sciovinista animato da un fervido odio anti-francese, vive con disperazione l'annuncio della chiusura delle frontiere europee. Sette anni dopo, alla vigilia della definitiva cancellazione delle dogane sul confine fra Francia e Belgio, Ruben trascorre le ultime ore di vita della frontiera dando sfogo a tutto il suo spirito nazionalista e tormentando i frontalieri francesi. Dall'altra parte del confine, tutti i vigilanti francesi odiano e temono a loro volta il razzista Vandevoorde e la sua pericolosa indisponenza. In modo particolare, lo teme il mite poliziotto Mathias Ducatel, innamorato di sua sorella e determinato a sposarla. Nel momento in cui viene deciso di creare una pattuglia di dogana mobile franco-belga per debellare un ingente traffico di droga, Mathias decide di far squadra con Vandevoorde per conquistare un posto nel cuore dell'arcigno francofobo e ottenere il suo beneplacito a entrare a far parte della famiglia.
Per chi ha trovato uno straordinario successo “scendendo” a Nord e giocando con calembour e idioletti, è normale continuare a muoversi lungo i sicuri confini degli stereotipi culturali. Quegli stessi stereotipi tanto facili da prendere in giro quanto da ricreare, linguaggio universale che ha il vantaggio di guardare al folklore ma saper colpire le umane debolezze. Dany Boon è un maestro di questo tipo di comicità “di confine”, cercando ogni volta quelle barriere più spesse e dure con le quali divertirsi a giocare come un mimo di strada con un muro invisibile. Come il precedente Giù al nord, anche Niente da dichiarare parte da un contesto minuscolo e provinciale come quello della sottile linea che separa il Nord-Pas de Calais dalla Vallonia ma guardato da una prospettiva talmente larga e popolare da potersi declinare in tanti diversi contesti (un remake italo-svizzero ambientato a Lugano? Un conflitto fra americani e canadesi alle Cascate del Niagara?). Certo è che la semplicità delle favole dello stralunato comico francese dalle eccezionali doti mimiche, oltre alla sua formula universale, mostra qua anche i suoi limiti più evidenti, la frontiera con cui discriminare fra la leggerezza pantomimica e graziosa di Giù al nord e la pigra sciocchezza di questo terzo film da regista.
Nel tornare indietro ai primi anni Novanta, Boon si diverte a raccontare l’abolizione delle dogane all’interno dell’Unione Europea come un periodo così vicino eppure così lontano mentalmente e tecnologicamente. Sembra un secolo fa che l'informatica e le nuova telefonia abbattevano le distanze e creavano nuovi villaggi globali allora impensabili. Da cui il messaggio evidente: ogni innovazione ed evoluzione è tanto apparentemente complessa quanto semplice e indolore, e così come in meno di vent’anni si è rivoluzionato il nostro approccio a computer e telefonini, così si possono abbattere con la stessa semplicità anche i pregiudizi più atavici. Ma, pur ricorrendo ai migliori attori e caratteristi del Belgio come Benoît Poelvoorde, Bouli Lanners e Olivier Gourmet, il suo modo di scherzare con loro è fermo all’umorismo delle vecchie barzellette denigratorie.
Certo, anche Giù al Nord era “solo” una novella candida dal messaggio retorico ed elementare, ma quell’immediatezza, quell’innocenza surreale ed eterea che lo rendeva una storiella leggera e universale, si perde qua in una commedia più adulta (anche visivamente), dove subentrano anche violenza e volgarità all’interno di una lunga barzelletta raccontata male. Ci sta un francese, un belga e un messaggio consolatorio...

Il voto di Pierolupo: 3/5
Niente di più di una favoletta leggera, qualche gag divertente, qualche sparo di troppo e in complesso una storia poco credibile, senz’altro inferiore al precedente “Giu al Nord”.

Come scaricare con Mirc 6.31 e XDCC.it

2012-01-18T18:12:00.001+01:00

La rete IRC è un’alternativa formidabile ai software P2P, come eMule e uTorrent. Permette di trovare tantissimo materiale, anche in italiano, e di scaricare qualsiasi tipo di file (compresi i film) alla velocità della luce. Per ottenere buoni risultati, però, bisogna conoscere i server e i canali giusti.

XDCC.it è un motore di ricerca che permette di scoprire facilmente i migliori server e canali IRC italiani per scaricare film da mIRC, il programma più popolare per entrare nella rete IRC ed effettuare download da quest’ultima. Ecco in dettaglio come usarlo.

Il primo passo che devi compiere per ricercare film sulla rete IRC tramite XDCC.it è collegarti alla pagina principale del sito utilizzando Internet Explorer, digitare il titolo del file da ricercare nel campo di testo collocato in alto e cliccare sul pulsante Search. Nel giro di pochi istanti, comparirà la lista con i risultati della ricerca.

Per avviare il download di un film trovato con XDCC.it utilizzando mIRC, non devi far altro che posizionarti con il puntatore del mouse sul nome del file che intendi scaricare e cliccare sull’indirizzo IRC (es. irc://irc.nomedelserver.org) presente in fondo al riquadro azzurro che compare.

A questo punto, si aprirà automaticamente una finestra di mIRC che ti chiederà la conferma per connettersi al canale selezionato. Clicca su OK per connetterti al canale e poi torna sulla pagina con i risultati della ricerca di XDCC.it. Posiziona quindi il puntatore del mouse nuovamente sul nome del film da scaricare e copia il comando presente sopra l’indirizzo che hai copiato in precedenza (quello che inizia con /msg).

Adesso, torna nella finestra principale di mIRC (dovrebbe essersi aperto il canale del link selezionato in precedenza), fai click destro nella barra collocata in basso, seleziona la voce Paste dal menu che compare per incollare il comando che hai appena copiato da XDCC.it e premi il tasto Invio della tastiera del computer per avviare il download del film.

Non sei riuscito ad entrare in uno dei canali scoperti con XDCC.it? non preoccuparti, può succedere. Alcuni dei server e canali IRC italiani per scaricare film da mIRC sono privati e quindi non tutti possono entrarci. A proposito, se sei alla ricerca di qualche server interessante da aggiungere ai preferiti, dai un’occhiata a quelli che trovi elencati qui sotto.

irc.darksin.net
irc.tuttiliberi.net
irc.openjoke.org
irc.oltreirc.net
irc.Friend4ever.it
irc.blackdr4g0n.net
ares.futureshell.net
irc.italian-amici.net
irc.oceanirc.net
irc.uragano.org

Per connetterti a un server con mIRC, non devi far altro che selezionare la voce Options dal menu Tools. Nella finestra che si apre, seleziona la voce Servers dal menu sulla sinistra, clicca sul pulsante Add, digita l’indirizzo del server a cui vuoi collegarti nel campo IRC Server, clicca ancora su Add, fai doppio click sul nome del server e clicca su Connect/list per connetterti ad esso. Per visualizzare la lista dei canali presenti nei vari server, digita il comando /list nella barra collocata in basso e premi il tasto Invio della tastiera del computer.

Tatiana De Rosnay – Segreti Di Famiglia (2011)

2012-01-17T16:13:00.001+01:00

Quando è avvenuto l’incidente, sua sorella era sul punto di rivelargli un segreto… Adesso è gravemente ferita e mentre aspetta, angosciato, che lei esca dalla sala operatoria, Antoine fa un bilancio amaro della sua vita: la moglie l’ha lasciato, i figli adolescenti gli sfuggono, i lavoro non lo soddisfa più, il padre è ormai anziano e tirannico… Come ha fatto ad arrivare fino a questo punto? E quale segreto stava per confidargli Mélanie? Antoine si sente schiacciare dal peso del passato, ma riceverà un aiuto inatteso nella sua ricerca della verità da Angèle, una persona molto particolare…

The Black Era – …Then

2012-01-17T00:12:00.001+01:00

Per un attimo, quando parte Bark, l’impressione è che la lancetta dell’orologio si sia spostata indietro di 9 anni esatti, al 1998 dei Massive Attack di Mezzanine, alla fase finale della florida stagione del trip hop: battuta bassa, ritmo in levare, magma dub, un suono scurissimo rischiarato dalla voce di Dy Darshan, attraversato da ronzii e layer sonori di stampo vagamente industrial …
E’ l’incipit di questo …Then…, seconda prova sulla lunga distanza dei Black Era, ed è soprattutto una dichiarazione d’intenti per un album costruito con coerenza su queste nitide coordinate sonore.
Coraggiosamente il disco fa scorrere davanti ai nostri occhi immagini di un passato musicale che è andato perdendosi lentamente tra le derive lounge e nu-jazzistiche dell’oceano downtempo e ci riporta ai tempi in ci si lasciava trascinare arrendevoli nelle spire dei gorghi sonori di Massive Attack, Tricky, Portishead e si inseguivano con stupore le gesta di gruppi nostrani come Casino Royale e Almamegretta, ma anche le partiture sonore neoclassiche di Craig Armstrong .
Ad una formula musicale che è ormai stata consegnata alla storia i Black Era aderiscono con un approccio comunque personale, giocando sulla giustapposizione di sonorità torbide e armonie strumentali e vocali fortemente melodiche, intessendo attorno agli scenari apocalittici dipinti nelle lyrics arrangiamenti che non temono, per raffinatezza ed ispirazione, il confronto con la blasonata scuola bristoliana.
Sulla lunga distanza il discorso sonoro tende a farsi eccessivamente monocorde e la soglia d’attenzione tende ad abbassarsi, ma risulta peccato veniale in un disco che sa farsi forte delle sue armi atmosferiche e che potrebbe, grazie all’uso dell’inglese e all’illuminata decisione di condividere i pezzi con licenza Commons, trovare fertile sponda anche al di fuori dei ristretti confini della penisola. (Storiadellamusica)

Tracklist
1 Out Of The Tunnel
2 Bark
3 Then
4 Trilateral
5 Fulcrum
6 Vicious Flag
7 The Tunnel
8 James Tobin
9 Bowtoday
10 Noam
11 Will Rise
12 Black Nails
13 My Little Replica
14 Wonder Reprise
15 Wonder Epilogue

Shane Meadows – Dead Man’s Shoes

2012-01-13T23:29:00.001+01:00

Un film di Shane Meadows. Con Paddy Considine, Gary Stretch, Jo Hartley, Toby Kebbell Titolo originale Dead Man's Shoes. Drammatico, durata 90 min. - Gran Bretagna 2004.

Richard torna dopo sette anni a Matlock nel Derbyshire per regolare i conti con gli aguzzini del fratello Michael, ritardato e da lui improvvisamente abbandonato per intraprendere la carriera militare.
Sangue chiama sangue, come in un'atavica legge del taglione. Lì dove finisce il codice di Hammurabi e ancora non comincia la civiltà. No, non siamo a Babilonia nel 2000 a.C. ma nella verde Inghilterra, tra la nebbia e la brughiera sterminata. Una piccola storia di paese, come tante, in cui la normalità – ammesso che questa sia mai esistita – tira la corda e degenera; un branco e un debole d'altronde, vuoi per noia, eccesso di testosterone o semplice empietà, non formano mai una bella combinazione.
Shane Meadows, beniamino di tanta critica per aver restituito fulgore al cinema inglese, immortalandone senza pudore e retorica – vizi così diffusi laggiù - i lati più deplorevoli, sceglie qui la schietta semplicità. Non c'è spazio per la ricerca o l'approfondimento, solo per la brutale messa in scena della Vendetta, laida e inevitabile megera che non restituisce mai il sorriso né sa riportare allo status quo ante. Non dà soddisfazione ad alcuno, ma si ripresenta puntuale nella sua ineluttabilità, specie quando il vendicatore è il primo ad avvertire qualche peso sulla propria coscienza. Dead Man's Shoes, baciato da una soundtrack di altissima fattura (Smog, Aphex Twin, Arvo Part, Bonnie Prince Billy) e dall'interpretazione di un allucinato Paddy Considine, va dritto allo scopo, crudo come uno slasher senza maniaci immortali e diretto come un singolo hardcore-punk dei tempi belli. Una rapida scarica di adrenalina che si lascia una visibile scia di sangue alle spalle.

Il voto di Pierolupo: 3/5
La vendetta nelle sue varie forme non mi è mai stata molto congeniale. Questo film è intriso di vendetta, si sviluppa intorno al grande rimorso del protagonista per essersi vergognato del fratello disabile, di averlo lasciato solo in balia delle cattive amicizie e soprattutto di non avergli mai dimostrato il suo amore fraterno.

Tricarico – L’imbarazzo

2012-01-13T16:22:00.001+01:00

Ho sempre trovato interessante Tricarico, sin dal suo luminoso esordio Io sono Francesco del 2000. Mi è sempre sembrato originale il personaggio e le sue canzoni. Il tutto mi ha sempre dato l’idea di una poetica personale e credibile. Purtroppo, al di là di qualche singolo e dei brani presentati a Sanremo negli anni, non ho mai affrontato l’ascolto di un album intero. Beh, questo L’Imbarazzo non sarà il più bel prodotto dell’anno ma l’approccio di Tricarico alla musica mi affascina al di là della sua qualità!
L’album, prodotto da Ferdinando Arnò e Massimo Martellotta, non riserva grandi sorprese, ma brani come la tirata Difficile (“è difficile è difficile ma io proverò per te”) o l’apparentemente banale Leggerezza hanno qualcosa di pop e di “storto” che è caratteristica di pochi. Battisti è ricordato un po’ anche in questo, oltre che in una vocalità originale e insicura. A proposito di Battisti una frase come “Sentir che c'è qualcosa che non va ma non far domande per non creare l'imbarazzo” mi sembra proprio uscita dalla penna del Mogol battistiano! Guarda che bel colore che han le rose è dolce canzone sulla fatica del “lavoro” quotidiano su e per l’amore (“Guarda che bel colore che han le rose, guarda che bel colore che ha la terra, si fa fatica si lavora, ci si domanda anche il perché”) ed è seguita da La mia sposa in cui nel ritornello Battisti è implacabilmente presente assieme ad echi della Jenny è pazza di Vasco. Sono solo poco più di suggestioni ma danno il clima dell’album. Sul duetto Da soli io e te invece sarebbe meglio soprassedere. Va bene l’ingenuità ma qui siamo a livelli più che imbarazzanti…
L’imbarazzo c’è anche per la cover di un brano come L’italiano cantata con il piccolo intervento dell’autore Toto Cutugno. Ma, a volte la capacità interpretativa fa miracoli. La voce insicura con cui la canzone è interpretata da Tricarico uccide la sicumera irritante della versione originale e restituisce un’idea di un’Italia anni ’70 non ancora involgarita dai media, dalla retorica patriotica, dall’ansia di apparire e dallo strapotere della pubblicità.
Nulla ho detto sul brano sanremese. Tre colori è il brano numero tre del cd e merita qualche riga solo per sè.
Trovo il brano, scritto interamente da Fausto Mesolella (chitarrista degli Avion Travel, che ne canta anche un frammento), assolutamente straordinario nel suo essere allo stesso tempo infantile e poetico. La canzone sul tricolore era nata per lo Zecchino D’Oro! Sogno cori di bambini cantarla e fra 150 anni sentirla assieme ai classici del patriottismo italico. E quanta differenza tra la dolcezza un po’ insicura di Tricarico, la musicalità solo apparentemente semplice (ci sono bellissime elisioni ritmiche, impegnative e nascoste), la poesia commuovente del testo e l’arroganza nazionalistica esibita l’anno scorso da Pupo con il “Principino”, o dall’idea volgare e prepotente di Italia che sento così preponderante in questi tempi e, perciò, così distante da questa canzone e da me! (Mescalina)

Tracklist
1. Tre colori
2. Imbarazzo
3. E’ difficile
4. Guarda che bel color hanno le rose
5. Da soli io e te
6. La mia sposa
7. L’italiano
!6 febbraio
8. Leggerezza
9. Una selva oscura
10. Ninananna oh

http://www.myspace.com/officialtricarico

Ethan Coen, Joel Coen – Il Grinta

2012-01-12T23:51:00.001+01:00

Un film di Ethan Coen, Joel Coen. Con Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Hailee Steinfeld, Barry Pepper, Domhnall Gleeson, Elizabeth Marvel, Ed Corbin, Nicholas Sadler, Dakin Matthews, Paul Rae, Joe Stevens, Mary Anzalone, Brian Brown, Bruce Green, Mike Watson. Titolo originale True Grit. Western, Ratings: Kids+16, durata 110 min. - USA 2010.

Mattie Ross è una quattordicenne fermamente intenzionata a portare dinanzi al giudice, perché venga condannato alla pena capitale, Tom Chaney l'uomo che ha brutalmente assassinato suo padre. Per far ciò ingaggia lo sceriffo Rooster Cogburn non più giovane e alcolizzato ma ritenuto da tutti un uomo duro. Cogburn non vuole la ragazzina tra i piedi ma lei gli si impone. Così come, in un certo qual modo, gli verrà imposta la presenza del ranger texano LaBoeuf. I tre si mettono sulle tracce di Chaney che, nel frattempo, si è unito a una pericolosa banda.
“I malvagi fuggono quando nessuno li insegue”. Con questo passo dal Libro dei Proverbi si apre il film che rappresenta l'ennesima sfida dei Coen. Questa volta i due registi decidono di confrontarsi al contempo con un genere che hanno (seppure a modo loro) già esplorato (il western) e con un'icona del cinema di nome John Wayne. Non era un'impresa facile realizzare un remake del film di Henry Hathaway che fece vincere l'Oscar al suo protagonista. Ma, come sempre, i Coen riescono a costruire un'opera totalmente personale pur rispettando (più dell'originale) lo spirito del romanzo di Charles Portis a cui la sceneggiatura si ispira.
Già la citazione biblica ne è un segno. Mattie è spinta a cercare giustizia da un carattere assolutamente determinato e lontano dall'iconografia della donna del West (Calamity Jane, Vienna/Joan Crawford e pochi altri esempi a parte) ma anche da un fondamentalismo che ha radici religiose. I Coen eliminano visivamente il prologo proponendo la vicenda come un flashback della memoria della donna Mattie. Una donna divenuta troppo precocemente tale perché nata in un mondo in cui dominano l'ignoranza (“Mia madre sa a malapena fare lo spelling della parola cat”) e la morte.
È un film sul distacco, sulla perdita, sulla separazione Il Grinta. Mattie non bacerà il cadavere del padre (per quanto sollecitata) ma assisterà all'impiccagione di tre condannati due dei quali potranno esprimere il loro pentimento o la loro rabbia. Il terzo non potrà farlo: è un nativo pellerossa. La stessa Mattie però dormirà nella stanza mortuaria accanto ai cadaveri degli impiccati. Da quel momento avrà inizio un lungo percorso in cui Rooster Cogburn, detto Il Grinta, sarà una sorta di disincantato ma al contempo dolente Virgilio pronto a raccontare di sé e del suo confronto quotidiano con una morte inferta o subita. Mattie lo vedrà per la prima volta non mentre arriva in città con i malfattori catturati (come nel film del 1969) ma emergere progressivamente alla visione mentre in tribunale gli viene chiesto conto degli omicidi (a favore della Legge certo ma sempre omicidi) compiuti. Jeff Bridges è perfetto nel rendere quasi tangibile questa figura di uomo della frontiera cinematograficamente in bilico tra la classicità e lo spaghetti-western.
Si lascia The Duke Wayne alle spalle e affronta un viaggio in un genere destinato a proporre, incontro dopo incontro e scontro dopo scontro, una riflessione su un modo di concepire il confronto sociale non poi troppo distante da quello in atto in questi nostri
difficili tempi. Perché, non dimentichiamolo, anche il più apparentemente astratto film dei Coen morde sempre (e con grande lucidità) sul presente.

Il voto di Pierolupo: 4/5
Niente da fare, i fratelli Coen non si smentiscono mai, anche nel western sono impareggiabili. Inoltre il film è divertente, con sparatorie ed atti di coraggio alla Tex Willer, che è uno dei personaggi dei fumetti che amo di più. Un gruppo di attori di prima categoria, davvero da vedere.

Sepiamusic – Prototype

2012-01-12T15:51:00.001+01:00

Electro-acoustic duo Sepiamusic are bound to garner numerous fans with the release of their full-length debut entitled Prototype (Sepiamusic (Denmark), 2003) American singer Erin Chapman and Danish producer/songwriter Michael Adler Miltersen have combined forces to create a highly listenable album full of seductive, late-night, iridescent grooves.
Like the music of Delerium or Balligomingo, Sepiamusic walk the line between dreamworld etherealism and solid pop agreeability. After meeting in 1999, Erin and Michael released a demo track "Fall Into Me" on Danish national Radio's P3. Subsequently, Sepiamusic scored two #1 hits on garageband.com. Work on a full-length album began, and the duo began fine-tuning their live show. After being warmly received by critics and fans in Denmark, Sepiamusic look poised to repeat their success worldwide.
Prototype's ten tracks are rich in variety and range from Dido-esque chillout numbers to more hard-hitting rockers. Throughout, however, the album remains consistently enganging. This is largely attributable to Michael's strong songwriting skills, Erin's accessible and pleasing voice, and quality production values.
Fans of Brit trip-hoppers "Lamb" will adore "Sweet Pollution," which features banging percussion, William Orbit-influenced synth blurbs and lush guitar and string accompaniment. The surprisingly funky and jazz-tinged "Heart Debris" show the diversity of Sepiamusic's style. Although it starts with kickin' upright bass jazz fingering, the song metamorphosizes into a breezy electronic trip that sounds a bit like Fleetwood Mac with a touch of Madonna thrown in.
The enchanting and heavenly "Stone" may be the best song on the album as Erin laments over a bed of lush electro pads, panning synth harp strings and deep moog rips. This track will certainly appeal to Balligomingo devotees. In similar fashion, "My Empathy" is a mid-tempo winner that conjures images of a laid-back night drive through a big city.
"Ease Me" is a sweet and contemplative downtempo track that relies upon pleasing acoustic guitar strums and soothing loops. The James Bond vibe of "Fall Into Me" is instantly appealing with its wry chord progression and adventurous imagery. The standout track "Static" again moves the album into lush electronic territory as layers of arp synths and string textures create a relaxing but provactive soundscape.
With the clear success of female-vocal ethereal/ambient acts like Delerium, Harland, and Lunascape, Sepiamusic will, no doubt, find fertile ground for their album to bloom in. With Erin's engaging voice and Michael's lush audio panoramics, Sepiamusic deserve the acclaim that they have received thus far and to be heard by a wider audience.

Tracklist
1 Stone
2 My Empathy
3 Heart Debris
4 No Way Out
5 Ease Me
6 Fall Into Me
7 Musiclife
8 Prototype
9 Static
10 The Searchers

http://www.myspace.com/sepiamusic

Romana Petri - Tutta la vita (2011)

2012-01-12T15:40:00.001+01:00

"Spaltero mi sta aspettando in Argentina, tra poco mi arriva un suo richiamo, e stavolta non me lo lascio scappare pure se all'idea di tanto cambiamento mi pare di morire. Stavolta so che a non cambiare ne va di tutta la mia vita. O trovo il coraggio, o se ne va in malora." Alcina è una donna coraggiosa e fiera che ha paura di una sola cosa: i sentimenti. Tanto che per non esserne sopraffatta si è dovuta costruire una corazza di orgogliosa solitudine. Nel '48 ha trentatré anni e una guerra partigiana alle spalle, e sembra che il suo destino sia ormai quello di vivere per sempre con lo sguardo rivolto al passato, in un continuo parlare coi propri morti e con un cane selvatico. Ma un giorno Alcina riceve una lettera che sull'onda travolgente del ricordo di un unico, lunghissimo bacio le dà la forza di lasciare il suo casolare in Umbria e di partire per l'Argentina. Ad aspettarla c'è Spaltero, un uomo più giovane di lei ma con un carattere forte e sicuro e sempre proiettato verso il futuro. Ma è sufficiente la fragile promessa contenuta nel ricordo di un bacio a spingere a cambiare vita? Basterà la forza dell'amore per resistere al violento irrompere della Storia? In un'epoca di sentimenti sfilacciati, esili e precari, Romana Petri ha scelto di raccontare in questo romanzo la storia di un amore eterno e indissolubile, al quale il passare del tempo solo aggiunge senza mai sottrarre.

Paolo Villaggio - La vera storia di Carlo Martello (2011)

2012-01-12T15:35:00.001+01:00

Quella di venerdì 14 dicembre 1962 era una notte buia e tempestosa. Paolo Villaggio e Fabrizio De André, ancora sconosciuti, stavano perdendo tempo in compagnia di altri fannulloni. Complici un topo e la fame, l'atmosfera di torpore che avvolgeva la combriccola si infiammò parecchio. Fu quando la pace tornò a regnare che, come per magia, nacque "Carlo Martello ritorna dalla battaglia di Poitiers". A cinquant'anni di distanza, dopo essere diventato uno dei più grandi attori comici del Novecento, una leggenda vivente che ha fatto ridere, e anche piangere, milioni di spettatori al cinema, nei teatri e in televisione. Villaggio torna sul vecchio testo, più attuale che mai, per farlo esplodere in un romanzo esilarante e affilato, raccontandoci, infine, la vera storia di Carlo Martello. Scopriremo così quanto fosse codardo il re carolingio, e quanto poco fosse diverso da lui il suo nemico, quello sbruffone di Abd al-Rahman, governatore di al-Andalus. Il Medioevo fantastico di Villaggio ci apparirà allora molto simile ai nostri giorni, perché, da quando esiste il mondo, poco è cambiato: i ricchi continuano a compiere soprusi, a concupire le donne con il denaro e a schiacciare deboli e poveri, cui non resta che subire e magari sbeffeggiarli con la satira o denunciarli nelle canzoni; un tempo ci pensavano giullari e menestrelli, oggi ci sono i comici e i cantautori. Non è un caso che la copertina di questo libro sia stata disegnata, come omaggio all'autore, da Dario Fo.

Mark Romanek – One Hour Photo

2012-01-11T18:50:00.001+01:00

Un film di Mark Romanek. Con Robin Williams, Connie Nielsen, Michael Vartan, Eriq La Salle, Lee Garlington, Gary Cole, Clark Gregg. Thriller, durata 96 min. - USA 2002.

Sy Parrish è il tecnico di laboratorio di sviluppo e stampa fotografica in uno stand di un centro commerciale. La sua vita si svolge sotto le luci al neon e quando torna a casa è completamente solo. Sente così la necessità di eleggersi una famiglia ideale: gli Yorkin. Di loro, clienti affezionati, conosce tutti i momenti immortalati nella varie fasi della vita. Si sente addirittura lo zio del loro bambino. Ma qualcosa incrina l’idilliaco e immaginario rapporto. Al suo secondo lungometraggio dopo Static del 1998, Mark Romanek firma un film destinato a rimanere nell’immaginario grazie anche alla prestazione di un Robin Williams mai così controllato. La sua ossessione viene disvelata progressivamente grazie a una recitazione implosa in cui tutte le pulsioni represse sembrano pronte ad esplodere ed invece si inabissano nella psiche di un personaggio scritto con grande attenzione ai particolari e con la consapevolezza di dover andare oltre l’ennesimo ritratto di psicopatico al cinema.

Il voto di Pierolupo: 4/5
Grande interpretazione di Robin Williams, psicopatico dal volto e dal comportamento molto umano, con un terribile trauma all’origine, mai sopito. Per me è un film da vedere assolutamente.

David Fincher – Il Curioso Caso Di Benjamin Button

2012-01-11T18:33:00.001+01:00

Un film di David Fincher. Con Brad Pitt, Cate Blanchett, Tilda Swinton, Julia Ormond, Jason Flemyng, Taraji P. Henson, Lance E. Nichols, Elias Koteas, Faune A. Chambers, Donna DuPlantier, Jacob Tolano, Ed Metzger, David Jensen, Joeanna Sayler, Mahershalalhashbaz Ali, Fiona Hale, Patrick T. O'Brien, Marion Zinser, Paula Gray, Rampai Mohadi, Troi Bechet, Phyllis Somerville, Elle Fanning, Ted Manson, Clay Cullen, Edith Ivey, Robert Towers, Jared Harris, Tom Everett, Don Creech, Joshua DesRoches, Christopher Maxwell, Joel Bissonnette, Deneen Tyler, Richmond Arquette, Ilia Volokh, Wilbur Fitzgerald, David Paterson, Josh Stewart, Louis Herthum, Chandler Canterbury, Charles Henry Wyson, Spencer Daniels, Taren Cunningham, Myrton Running Wolf, Stephen Taylor, Devyn A. Tyler, Adrian Armas, Ashley Nolan, Katta Hules, Rus Blackwell. Titolo originale The Curious Case of Benjamin Button. Drammatico, Ratings: Kids+13, durata 159 min. - USA 2008.

Benjamin Button nasce il giorno della fine della prima guerra mondiale, è un bimbo in fasce ma ha la salute di un novantenne: artrite, cataratta, sordità. Dovrebbe morire il giorno dopo e invece più passa il tempo più ringiovanisce. La sua è una vita al contrario che attraversa il Novecento americano sempre alla ricerca del primo e unico amore, una donna molto più emancipata, libera e in linea con il suo tempo di lui. L'unico momento in cui si potranno trovare sarà all'incrociarsi delle loro età: "Mi amerai ancora quando sarò vecchia?", chiede lei. "E tu mi amerai ancora quando avrò l'acne?" risponde lui.
Fincher sceglie di narrare una storia con un espediente classico: a partire dalla modernità, attraverso le memorie di un diario letto alla protagonista ormai anziana e in punto di morte. Fotografa tutto virando verso il seppia e opta per la calligrafia spinta, cosa che ovatta il racconto con l'indulgenza e il fascino di cui sono dotati i ricordi. Il risultato è un'agiografia del passato che vince sul presente (New Orleans ieri e oggi con Katrina alle porte), una prospettiva a ritroso indulgente e favolistica sugli Stati Uniti che non affronta nessun tema davvero e che, cosa bene più grave, manca di emozionare con sincerità.
Benjamin Button ringiovanisce invece di invecchiare ma questo non ha nessun effetto sulla trama nè tantomeno serve a dare una visione particolare degli eventi in cui è coinvolto o della società in cui è inserito, come avveniva invece con la stupidità di Forrest Gump (il paragone inaffrontabile con l'opera di Zemeckis sorge spontaneo data la sostanziale identità della struttura della storia).
Il curioso caso di Benjamin Button sembra chiedersi unicamente "Come si comporterebbe un vecchio con la testa di un bambino? E come un giovane con l'esperienza di un vecchio?", tentando di conseguenza una riflessione sulla morte e sulle possibilità di sfruttare al massimo la propria vita. "Non sai mai cosa c'è in serbo per te" ripete a Benjamin la madre adottiva, evitando accuratamente di citare scatole di cioccolatini.
Gigantesco il lavoro fatto sull'invecchiamento e il ringiovanimento digitali di Brad Pitt, entrambi ottenuti sperimentando una tecnica innovativa di motion capture. Il risultato è evidente: in ogni caso il personaggio è sempre lui, Brad Pitt, anche quando gli somiglia veramente poco. Meno celebrata invece Cate Blanchett che, invecchiata e ringiovanita anch'essa per esigenze di copione, supplisce alla frequente mancanza di digitale con la solita prestazione fuori da ogni ordinarietà.

Il voto di Pierolupo: 4/5
"Uno si può anche incazzare quando le cose vanno cosi, uno può bestemmiare, maledire il destino ma quando arrivi alla fine, non resta che mollare..." Questa la frase fondamentale del film. Un bel film davvero, un pò troppo lungo se vogliamo trovare un solo difetto. Una storia originale, incredibile ma realizzata in modo credibile, ed una bella storia d’amore.

Francesco Patierno - Cose Dell’altro Mondo

2012-01-11T00:36:00.001+01:00

Un film di Francesco Patierno. Con Diego Abatantuono, Valerio Mastandrea, Valentina Lodovini, Renato Nuvoletti, Sandra Collodel, Grazia Schiavo, Maurizio Donadoni, Vitaliano Trevisan, Riccardo Bergo, Sergio Bustric, Fulvio Molena, Laura Efrikian. Commedia, durata 90 min. - Italia 2011.

Una città del Nordest d'Italia. L'immigrazione incide sul tessuto sociale. L'industriale Golfetto non la sopporta nella maniera più assoluta e scarica tutta la sua xenofobia in uno spazio a lui riservato nella tv locale che finanzia. Intanto fa ritorno a casa Ariele, un poliziotto con madre con Alzheimer e un tempo compagno della maestra Laura che ora attende un figlio da un africano. Un mattino però, dopo un fenomeno temporalesco anomalo, tutti gli extracomunitari e gli stranieri in genere scompaiono dal territorio. Bisogna arrangiarsi da soli.
Il debito con Un giorno senza messicani viene correttamente pagato sin dai titoli di testa. Perché l'idea di base è la stessa: là la California qui il Nordest, identica la sparizione. Le similitudini si fermano però a questo punto perché lo sguardo e il punto di vista divergono e non solo per ovvie diversità di latitudini, usi e costumi. Se nel film di Sergio Arau e Jareli Arizmendi una parte consistente degli accadimenti veniva filtrata dai notiziari televisivi (con conseguente evidenziazione della manipolazione di massa) qui la televisione c'è ma la sua capacità di assoggettamento delle coscienze non si articola sulle notizie ma sulla visceralità più becera. Quando sentiamo blaterare Golfetto di cammelli e stati africani inesistenti viene immediatamente in mente (tanto per non fare nomi) Borghezio. La tecnica è la stessa, la volgarità analoga tanto che viene il dubbio che la produzione debba pagare all'eurodeputato parte dei diritti di sceneggiatura. Il film di Patierno trova la sua forza proprio nell'ignoranza che pervade il tessuto sociale traducendosi talvolta in violenza e che viene perfettamente esemplificata dal personaggio del taxista. Cose dell'altro mondo affronta il discorso della necessità della presenza degli immigrati per la stessa sopravvivenza del trend di vita proprio di coloro che più ne contrastano la presenza. Lo fa con i toni della commedia alternando la disinibita irruenza di un Abatantuono (che ogni tanto dimentica di interpretare un veneto e torna ad accenti milanesi) con la levità surrealmente efficace di Valerio Mastandrea, il quale interpreta un personaggio che si muove in una sorta di tempo sospeso in cui il compito primario sembra essere il reagire e non l'agire. L'esito è divertente e interessante. In più occasioni nella storia del cinema (e non solo) la commedia è riuscita a far arrivare a un vasto pubblico delle idee che il dramma o la riflessione 'alta' avrebbero costretto nella ristretta cerchia dei già convinti. Ogni volta che ciò accade è giusto felicitarsi abbandonando qualsiasi tipo di sopracciglio alzato.

Il voto di Pierolupo: 2/5
Cos’è? Una commedia? Un film drammatico? Abatantuono completamente fuori ruolo, non è credibile come veneto. Mastandrea, ottimo attore ma sprecato. Davvero una delusione… e poi dove cazzo sono finiti sti stranieri? Noioso dall’inizio alla fine.

Maria Venturi - La moglie nella cornice

2012-01-10T17:33:00.001+01:00

Per amore di Alberto e del piccolo Piero, Joanna abbandona la carriera di modella, anche se è all'apice del successo. Novella sposa, si butta con l'entusiasmo e l'amore dei suoi giovani anni nel nuovo ruolo di moglie e madre, ma ben presto si accorge di avere una rivale difficile da battere: la prima moglie di Alberto, morta in circostanze tragiche. Con la sua bellezza ingenua e la sua fragilità, Jo deve lottare non solo contro un fantasma ancora troppo vivo, ma anche contro le ombre di un passato - il proprio - che non ha mai cessato di perseguitarla.

Marc Levy - I figli della libertà (2008)

2012-01-10T17:31:00.001+01:00

Non hanno ancora vent'anni. Si chiamano Claude, Charles, Boris, Damira, Marius, Rosine, Jeannot. Sono spagnoli, polacchi, italiani, rumeni. Hanno la pancia vuota e la testa piena dei sogni e delle inquietudini dell'adolescenza. Nella Francia occupata della Seconda guerra mondiale vivono nell'ombra e nella paura, esuli, orfani e perseguitati in un mondo caduto preda della barbarie e della violenza. [leggi tutto ...] Sono i ragazzi della 35a brigata, i figli della libertà. Questa è la loro storia, la Storia di tutti noi. E fatta del loro coraggio e della loro incoscienza, dei loro amori e delle loro avventure, della loro fame di futuro e giustizia. E del sacrificio di quanti hanno saputo sfidare la morte per affermare il diritto di ognuno a esistere e amare. In un romanzo terso e commovente Mare Levy fa rivivere la straordinaria epopea di suo padre Raymond e dei suoi compagni. Celebrando, con la fede assoluta nella purezza dei sentimenti che da sempre vive nella sua scrittura, il senso universale di una storia d'amore che attraversa le generazioni.

Marc Levy - La Prossima Volta (2004)

2012-01-10T17:30:00.001+01:00

Jonathan e Anna stanno per sposarsi quando Peter annuncia una notizia che cambierà la loro vita. Ha appena saputo che una galleria di Londra è venuta in possesso di cinque tele di Vladimir Radskin, pittore del XIX secolo del quale Jonathan è il massimo esperto. Tra queste potrebbe esserci il dipinto leggendario smarrito in circostanze misteriose nel 1868, che Jonathan cerca da vent'anni. Quando Jonathan incontra Clara, proprietaria della galleria di Londra, vengono entrambi colpiti da un forte senso di déjà-vu. Indagando per autenticare il quadro, scopriranno molte cose sull'artista ma soprattutto su se stessi. Tre vite differenti, tre destini intrecciati in una corsa contro il tempo per salvare un amore che trascende il tempo...

Stefano Benni - Le Beatrici (2011)

2012-01-10T17:28:00.001+01:00

Otto monologhi al femminile. Una suora assatanata, una donna ansiosa e una donna in carriera, una vecchia bisbetica e una vecchia sognante, una giovane irrequieta, un'adolescente crudele e una donna-lupo. Un continuum di irose contumelie, invettive, spasmi amorosi, bamboleggiamenti, sproloqui, pomposo sentenziare, ammiccanti confidenze, vaneggiamenti sessuali, sussurri sognanti, impettite deliberazioni. Uno "spartito" di voci, un'opera unica, fra teatro e racconto. Una folgorazione. Tra un monologo e l'altro, sei poesie e due canzoni.

Isabel Allende - Il quaderno di Maya (2011)

2012-01-10T17:26:00.001+01:00

Maya Vidal, l'adolescente protagonista del nuovo romanzo di Isabel Allende, caduta nel circuito dell'alcol e della droga, riesce a riemergere dai bassifondi di Las Vegas e, in fuga da spacciatori e agenti dell'Fbi, approda nell'incontaminato arcipelago di Chiloé. In queste isole remote nel Sud del Cile, nell'atmosfera di una vita semplice fatta di magnifici tramonti, solidi valori e rispetto reciproco, Maya impara a conoscersi e a conoscere la sua terra d'origine, scopre verità nascoste e, infine, l'amore. A queste pagine si alterna il crudo racconto della sua difficile storia precedente, una vita fatta di marginalità e degrado, solitudine e cattive compagnie, nella quale precipita dopo la morte dell'amatissimo nonno. Isabel Allende torna a raccontare la vita di una donna coraggiosa in un romanzo che affronta con delicatezza le relazioni umane: le amicizie incondizionate, le storie d'amore palpabili come quelle più invisibili, gli amori adolescenziali e quelli lunghi una vita. Un ritmo incalzante, una prosa disincantata per questa nuova prova narrativa che si tinge di noir e per l'ennesima galleria di donne volitive e uomini capaci di amare.

La gran parte delle donne scaturite dalla penna della scrittrice cilena sono esseri indomiti, che non chiedono a nessuno il permesso di vivere, amare e sbagliare, e proprio su questa unione di carattere e fallibilità costruiscono le premesse per l'amore viscerale che lettori e lettrici provano inevitabilmente per loro.
Dalle tante protagoniste de La casa degli spiriti a Eva Luna, dalla Inès del romanzo eponimo alla Aurora di Ritratto in seppia, fino ad arrivare all'autrice stessa e alla figlia Paula, al centro di alcune fra le pagine più intense nella ricchissima produzione di Allende, sono le donne ad occupare il centro della scena, nei romanzi letti e amati in tutto il mondo da trent'anni a questa parte.
Prendete ad esempio Maya, la protagonista dell’ultimo Il quaderno di Maya. Qui si racconta delle peripezie di Maya Vidal, una ragazza di 19 anni con un passato più denso di avvenimenti e drammi di una soap latinoamericana. Cresciuta dai nonni, l'amatissimo Popo, e la di lui moglie Nini, Maya passa sul finire dell'adolescenza un lungo periodo a Las Vegas che definire turbolento sarebbe riduttivo.
In seguito alla morte di colui che la ragazza continuerà a chiamare "Il mio Popo", infatti, la ragazza si trova in un turbine esistenziale drammatico, che le fa smarrire tutte le coordinate e la porta a cacciarsi in grossi guai.
Grossi al punto che Nini - la nonna - non troverà altra via d'uscita che quella di spedire Maya in un arcipelago nell'estremo sud cileno, Chiloé, dove la ragazza possa trovare protezione e ospitalità in attesa di tempi migliori.
La protezione è garantita dall'isolamento che Chiloé offre a ciascuno dei suoi abitanti, essendo una terra tagliata fuori da qualsiasi rotta turistica o di interesse economico. Quanto all'ospitalità, provvederà Manuel, antropologo amico di nonna Nini, che saprà capire le molte qualità di Maya e le offrirà un lavoro. Il contrasto fra la Las Vegas dei bassifondi che Maya ha bazzicato durante la sua travagliata adolescenza e la natura primordiale, selvaggia e incontaminata di Chiloé è reso in maniera efficace dalla scrittura, e la suggestione è ulteriormente amplificata dalla scoperta di un segreto familiare custodito nell'ambiente ad un tempo edenico e minaccioso di Chiloé.
La storia di "Maya" è la risposta di Allende alle preghiere dei suoi nipotini, che le chiedevano da tempo un libro con personaggi nei quali potersi identificare, una storia che presentasse motivi di fascino anche per i ragazzi di oggi.
Ma bisogna dire che il risultato non è certo ascrivibile al filone della letteratura per ragazzi, perché molte delle situazioni vissute o rievocate da Maya nel corso del racconto sono cariche di una brutalità decisamente inadatta ad una platea di lettori giovanissimi.
È insomma, quello che abbiamo fra le mani, un classico "alla Allende", con tutti i temi cari alla scrittrice: l'esilio e il ritorno, la volontà e il carattere come viatici alla propria felicità, e - su tutto - la capacità di realizzarsi e crescere nel confronto con l'altro.

Gianpaolo Pansa - Poco o niente (2011)

2012-01-10T17:23:00.001+01:00

"C'è una paura nuova che leggo negli occhi di molte persone. È il timore di ritornare poveri, di andare incontro a un futuro difficile, di non sapere quale sarà il destino dei figli. Qualche anno fa, non era così. Ma in questo 2011 tutto è cambiato in peggio. La grande crisi economica e finanziaria ci ha messi di fronte a una realtà che nessuno immaginava: la nostra società è fragile e il benessere che abbiamo conquistato potrebbe svanire. Torneremo poveri come erano i nostri genitori e i nonni? Questa incognita mi ha spinto a ricordare l'epoca che ha visto nascere e crescere fra mille stenti mia nonna Caterina Zaffiro e mio padre Ernesto, uno dei suoi figli. Lei era nata nel 1869 nella Bassa vercellese, in una famiglia di contadini strapelati. Andata in sposa a un bracciante altrettanto misero, Giovanni Pansa, rimase vedova a 33 anni, con sei bambini da sfamare. È la sua vita tribolata a farmi da guida nel racconto dell'Italia fra l'Ottocento e il Novecento, quello che il lettore troverà in Poco o niente. Era un mondo feroce, dove pochi ricchi comandavano, decidevano tutto e si godevano le figlie dei miserabili. I poveri erano tantissimi, venivano messi al lavoro da piccoli, poi l'ignoranza li spingeva a comportarsi da violenti".

Giulio Cesare Giacobbe - Come fare un matrimonio felice che dura tutta la vita (2007)

2012-01-10T17:22:00.001+01:00

Dopo aver insegnato alle donne come diventare "belle, ricche e s...", è giunto il momento dei fiori d'arancio. Continua su questo tema l'opera divulgativa di Giulio Cesare Giacobbe. Nonostante gli evidenti segnali di crisi dell'istituzione matrimonio, non v'è dubbio che creare una famiglia resti uno degli obiettivi principali delle trentenni di oggi. Ma se l'obiettivo è facilmente raggiungibile, il vero problema è come trasformarlo in un'esperienza felice e duratura. Fedele al detto "Chi ben comincia è a metà dell'opera", Giacobbe parte dai preliminari guidando l'aspirante sposa nella scelta del partner, col suo tono leggero e competente. La compatibilità fra caratteri, storie personali ed educazione è una delle condizioni di base per partire col piede giusto. Poi, questo divertente manuale elenca quali sono gli errori più comuni nel matrimonio e spiega come fare per evitarli.

Luciana Littizzetto e Franca Valeri - L'educazione Delle Fanciulle (2011)

2012-01-10T17:15:00.001+01:00

I primi libri, i primi tacchi alti, il primo bacio. I secondi libri, le centesime scarpe e i millesimi baci. L'approccio femminile alla vita a tutte le età. Un inventario dei comportamenti tipici di maschi e femmine di fronte all'amore, dagli anni Trenta a oggi. Un dialogo in cui si parla di tutto. Cucina ed eleganza, economia domestica e chirurgia estetica. Coppia, figli, sesso e lavoro. Della noia e della gioia di vivere da donne. Due voci diverse e perfettamente intonate dialogano in modo comico, ironico e universale sulle donne, gli uomini e l'amore.

È un duetto gustosissimo, quello che Luciana Littizzetto e Franca Valeri ci propongono in queste pagine. Un dialogo a due voci che si accordano e si incalzano, si stemperano a vicenda raggiungendo, in molti passaggi, l’unisono, malgrado le differenze, malgrado a volte il tono delle loro voci sia completamente opposto. Ma, come succede nelle migliori opere liriche, i passaggi più belli sono quelli in cui il tenore e il soprano si perdono nei fraseggi. Certo non è questo il caso. Qui non si tratta dell’amore struggente e del melodramma, non ci sono eroine tragiche ed epopee storiche. In questo caso la popolare comica televisiva Littizzetto e l’attrice teatrale Valeri mettono a confronto le loro diversissime comicità, l’una sempre misurata, l’altra decisamente spinta, quasi sfidandosi su un tema in cui sono entrambe maestre: il cambiamento dei costumi.
Le due attrici, ognuna dal suo punto di vista, mettono in evidenza il loro pensiero sempre alternativo e mai banale, sull’evoluzione dei costumi femminili nel corso degli anni, facendo leva sulle loro esperienze personali, l’una cresciuta in una famiglia borghese degli anni Trenta, l’altra in una famiglia popolare negli anni Settanta. Tra le due epoche un vero e proprio abisso, una rivoluzione che ha prodotto il ribaltamento non solo delle abitudini delle fanciulle, ma anche delle loro ambizioni, dei sentimenti e del modo di esprimerli.
Mentre le signorine “per bene” coeve di Franca Valeri sognavano il principe azzurro in doppio petto, un uomo altero, stabile, perso nelle sue contemplazioni, le compagne di conservatorio di Luciana Littizzetto vivevano le prime esperienze con scombinati pseudo artisti dai capelli verdi. La differenza è soprattutto nei desideri, ma anche nei mezzi che la società ha messo loro a disposizione per raggiungerli, a partire dalla famiglia.
Il mondo che Franca Valeri descrive in queste pagine è un mondo perduto. Lo scopriamo e ne abbiamo contezza grazie alla voce di Luciana Littizzetto che non manca di sottolineare le differenze tra le loro epoche, ma anche i tanti punti di contatto tra le due donne, che alla fine hanno finito per fare lo stesso mestiere. Perché, che sia nata ottanta anni fa in una famiglia borghese, quarant’anni fa in una famiglia operaia, o venti in una qualunque famiglia, una donna intelligente rimane coerente con se stessa. Non desta nessuno stupore, quindi, il fatto che le loro vite alla fine si somiglino, la sagacia di molte frasi contenute in questo libro, invece, ci stupisce eccome.
Solo un esempio, su “l’uomo ideale e l’uomo letale” le due attrici sono abbastanza d’accordo. Per Franca Valeri è: “Dunque alto (be’, sì), magro (non è detto), nero, biondo o rosso non importa, purché abbia i capelli; educato, quindi intelligente; non avaro. Il letale è anche volgare”. Per Luciana Littizzetto: ”Ideale? Intelligente, generoso, spiritoso e bellino. Letale? Un uomo che sa di cane bagnato”. Poche righe che da sole dicono tutto.

Nicolai Lilin - Il respiro del buio (2011)

2012-01-10T17:11:00.001+01:00

Il respiro del buio comincia con un viaggio, alcune centinaia di chilometri che sanciscono l¿ingresso in una nuova vita. Il servizio militare in Cecenia è finito, è tempo di tornare, ma per Nicolai la parola ritorno ha perso significato. È un altro uomo quello che scende dal treno, e anche la città che lo accoglie ha ormai rinunciato alla propria identità per inchinarsi ai miti d¿Occidente. Rinchiuso nel suo appartamento, circondato dalle armi importate illegalmente dalla Cecenia, Nicolai attraversa un «dopoguerra» privatissimo e feroce: all¿indifferenza muta che gli riserva il suo Paese, non trova altra risposta che l¿odio. Odia gli edifici, le strade, l¿umanità «pacifica» che gli appare fasulla, intollerabile nella sua pretesa di civiltà. Per provare a fare i conti con le atrocità subite e commesse, decide d¿intraprendere un nuovo viaggio, verso il luogo che rappresenta l¿unico ritorno possibile: la Siberia. In questa terra che sa essere per lui spietata e materna, guidato da un nonno che vive in perfetto equilibrio tra asprezza e incantato stupore, Nicolai sembra ritrovare il desiderio di una vita comune. Ma non basta certo il silenzio a cancellare un passato così ingombrante, e neppure serve la determinazione, perché quella che si offre come una possibilità di riscatto può rivelarsi in ogni momento una trappola che inverte la corsa e riporta al punto di partenza. Così può succedere che un impiego in un¿agenzia di sicurezza privata a San Pietroburgo si trasformi in una nuova guerra, più nascosta e apparentemente meno violenta rispetto a quella combattuta in divisa, eppure, se possibile, ancora più pericolosa. Una guerra che fa le sue vittime nelle strade delle grandi città, ma che si combatte soprattutto nelle stanze lussuose della nuova élite economica, nei rapporti tra oligarchi e politici corrotti, negli archivi segreti ereditati dal kgb. Tra complotti e tradimenti, attentati e amori impossibili, violenze atroci e sorprendenti accensioni ironiche, Nicolai Lilin ci regala quello che tra i suoi romanzi, forse, più lo rappresenta. Perché le storie dei suoi personaggi ¿ storie accadute all¿autore stesso o viste accadere ad altri, ascoltate o soltanto immaginate ¿ non sono che varianti possibili di un identico destino: quello di chi, per fuggire dal vuoto, non ha avuto altra scelta che lanciarsi nel buio.

7 motivi per non comprare il caffe’ Nespresso e 11 per tornare alla moka

2012-01-10T16:40:00.001+01:00

La macchina del caffe Nespresso è arrivata nella mia cucina da pochissimo, un regalo. Oggetto di design della Krupp o pur sempre una consuma-capsule con lo spot di George Clooney.

In 18 motivi 6 pro e 11 contro ecco perché ho deciso di tornare al caffe fatto con la macchinetta tradizionale: la moka della Bialetti, modello anno 1933, corpo in alluminio e manico di bakelite.

Perchè abbandonare il caffé NESPRESSO?

1. Prezzo
Costa caro, 35 centesimi a caffè fatto in casa/ufficio sono veramente troppi anche per un intenditore. Non stiamo pagando qualità e le proprietà del caffè, ma tutto il marketing, la pubblicità, lo spot, il packaging… Costo del caffè con la moka, usando un caffè da 10 euro al kg. (dunque non una ciofeca): 6,5 centesimi. Con una confezione da 250 grammi infatti si fanno circa 40 caffè. Dove sta la convenienza?

2. Anticalcare
La macchina per caffè si lava solo con le costose soluzioni anti-calcare autorizzate dalla casa ed in vendita presso i rarissimi punti vendita Nespresso.

3.Inquinamento
Ogni capsula inquina più di un pacchetto di caffè da 200gr. Moltiplicare per il numero quotidiano di caffe… e farsi venire i sensi di colpa è quasi normale.

4. Gusto?
Il caffè non viene mai forte, anche se ne fai uno corto. Certo fa anche la schiuma ma come spieghi la differenza tra un Arpeggio ed un Roma a chi non usa la Nespresso? Tra Livanto e Capriccio? Tra Decaffeinato e Decaffeinato intenso?

5. Reperibilità del caffè
Puoi comprare solo in alcuni punti (prima di Natale a Torino c’erano code di oltre 200 persone in attesa!!! Dico, ma siamo impazziti? Per comprare il caffè ore di attesa?) oppure online a prezzo maggiorato. Se disgraziatamente rimani senza caffè, il vicino non può prestartelo!

6. Accessori inutili
Quando hai bisogno di un caffè che te ne fai di 40 accessori inutili del cazzo (e costosi) ?

7. Capsule Nespresso compatibili?
Per le stampanti esistono le cartucce commerciali, per la Nespresso non esiste soluzione, niente capsule compatibili, o forse si trovano ma come saranno?

Perchè tornare alla macchinetta del caffè tradizionale e mollare il Nespresso Club?

1. Puoi comprarne sfuso quanto ne vuoi e anche la migliore qualità costa molto meno.

2. Non inquini quanto il Nespresso ogni volta e non finanzi la più grande multinazionale combina disastri ecologici (Nestlé).

4. Puoi comprare un pacchetto o una tonnellata di caffè ovunque e nessuno traccia il tuo ordine.

5. Paghi meno pubblicità anche se acquisti marche famose: Clooney costa molto più di Bonolis o Proietti che almeno ti fanno sorridere.

6. Puoi comprare caffè in chicchi e decidere tu quando macinarli e quali miscele fare.

7. Un napoletano non t’insulterà mai dicendo che bevi ‘na ciofeca.

8. Il profumo del caffè fatto con la moka si espande per tutti gli ambienti ed invoglia molto di più gli altri a farti compagnia.

9. Usi il gas e non l’energia elettrica. Farti un caffè con la moka costa meno all’ambiente e non rischi di lasciare accesa la macchina per ore.

10. Rispetti una tradizione nei gesti di riempire la macchinetta e ascoltarne il rumore quando esce. E puoi non farti la schiuma se non la vuoi.

11. Aggiungo che, se hai un ufficio, forse se vuoi offrire un caffè ai tuoi clienti Nespresso può essere utile, ma per te stesso, che cazzo ci vuole a farti una moka?

Reinhold Messner - La mia vita al limite (2006)

2012-01-04T14:11:00.001+01:00

Grazie alle domande spesso incalzanti di un interlocutore, il libro fa emergere l'"uomo Messner", quella personalità complessa che è diventata l'alpinista più noto di tutta la storia dell'alpinismo, grazie non solo alle doti fisiche ma soprattutto a una filosofia di vita e a una fede incrollabile nella sua capacità di vincere con tenacia e fantasia sfide sempre più ardue, in ambito alpinistico, così come in tutti gli ambiti.

Vittorio Agnoletto, Lorenzo Guadagnucci - L' eclisse della democrazia. Le verità nascoste sul G8 2001 a Genova (2011)

2012-01-04T14:07:00.001+01:00

Genova, luglio 2001: un ragazzo di 23 anni ucciso dai carabinieri; 93 persone pestate e arrestate sulla base di prove false alla scuola Diaz; decine di fermati torturati nella caserma di Bolzaneto; in una vera e propria eclisse dei diritti costituzionali democratici, di fatto sospesi. Vittorio Agnoletto, all'epoca portavoce del Genoa social forum, e Lorenzo Guadagnucci, testimone e vittima del blitz alla Diaz, raccontano tutte le verità sul G8 di Genova e sui tentativi di fermare e condizionare i processi. Enrico Zucca, pm al processo Diaz, per la prima volta svela agli autori i retroscena dell'inchiesta genovese. I massimi vertici della polizia e dei servizi segreti, oltre a decine di agenti, sono stati condannati in secondo grado. Sono giudizi clamorosi, senza precedenti. Eppure tutti sono rimasti al loro posto e molti sono stati addirittura promossi, con l'avallo dell'intero arco politico parlamentare. La ferita aperta nel luglio 2001 non è stata ancora rimarginata. Nel 2001 un grande movimento nella sua fase nascente è stato criminalizzato, ma le sue idee non erano sbagliate: a Genova si parlava di un prossimo crac della finanza globale, del collasso climatico del pianeta, delle guerre come frutto naturale del sistema neoliberista. Scenari che si sono puntualmente avverati. In questo libro si racconta il volto autentico del G8 di Genova: un tracollo dei valori democratici, ma anche una proposta culturale e politica che resta vitale. Prefazione di Susan George.

John C. Parkin, Gaia Pollini - Ma chissenefrega! Piccola guida per fottersene di tutto e vivere felici (2010)

2012-01-04T14:04:00.001+01:00

"Chi è stressato alzi la mano! Chi si sente schiavo di doveri, scadenze e responsabilità alzi l'altra! Okay, potete abbassarle entrambe, perché da oggi inizia una nuova era. È giunto il momento di seppellire tutto quello che non vi piace della vostra vita con un bel 'Ma cissenefrega!' e liberarvi finalmente da ciò che non vi fa dormire la notte. Questo libro, fatto di pensieri e illustrazioni, vi accompagnerà alla scoperta della rivoluzionaria filosofia del 'Ma chissenefrega!' Basterà aprirlo a caso per scoprire che ci vuole poco per seguire i propri sogni infischiandosene di ciò che pensano gli altri. E sentirsi così immediatamente più spensierati e felici."

Amitav Ghosh - Il fiume dell'oppio (2011)

2012-01-04T14:02:00.001+01:00

È il settembre del 1838 quando una terribile burrasca si abbatte sulla Ibis, la goletta a due alberi in viaggio verso Mauritius con il suo carico di "coolie", di "delinquenti". Come un uccello mitologico in balia del vento, con il bompresso come un grande becco e le vele come due enormi ali spiegate, la Ibis resiste miracolosamente alla furia dell'uragano. Nel fracasso della tempesta, tuttavia, tra lampi, tuoni e marosi, una scialuppa si allontana lestamente dalla goletta. E una barca di fuggitivi e a bordo reca due lascari, i leggendari marinai che parlano una lingua tutta loro, e tre coolie che dovrebbero scontare la loro pena a Mauritius: Kalua l'ex lottatore strappato ai campi di papaveri indiani, Ah Fatt, il figlio di un ricco mercante di Bombay e di una donna cinese, Neel, il raja di Raskhali che ha sperperato la sua ricchezza, indebitandosi con i mercanti inglesi e finendo galeotto nella stiva della nave inglese. Qualche giorno dopo attracca a Mauritius un brigantino anch'esso male in arnese dopo una traversata segnata da disgrazie e tragedia: il Redruth di Fitcher Penrose, il cacciatore di piante. A Port Louis, però, Fitcher ha di che rallegrarsi. Nel porto di Mauritius fa, infatti, bella mostra di sé uno dei più venerati orti botanici del mondo in cui hanno prestato la loro opera lo scopritore della buganvillea e quello del pepe nero. Secondo volume della trilogia della Ibis.

Masciari Pino & Masciari Marisa - Organizzare il coraggio (2010)

2012-01-04T14:01:00.001+01:00

Pino Masciari, imprenditore edile calabrese, ha sfidato la malavita organizzata e per questo ha dovuto rinunciare alla propria vita e alla propria libertà. Da solo ha denunciato, combattuto, ricercato la verità fino a far condannare oltre quaranta persone, dalla piccola manovalanza della 'ndrangheta fino ai massimi vertici dell'organizzazione e della cupola politica che spesso si lega alla delinquenza. Dal 1997 Masciari e la sua famiglia rientrano nel Programma speciale di protezione e devono abbandonare la loro casa e la loro terra. Niente più lavoro e affetti, ma una continua serie di spostamenti che sembrano un abbandono continuo e prolungato. In questi anni Masciari diventa testimone di giustizia. Ma attorno a lui trova un muro di gomma che vorrebbe isolarlo. Nonostante la situazione in cui si è costretto a vivere (senza scorte, senza prospettive per il futuro) Masciari andrà sempre a testimoniare facendo nomi e cognomi, non tacendo nulla della sua drammatica esperienza di imprenditore fatto fallire per mano delle famiglie di 'ndrangheta. Ad accorgersi di lui e della sua famiglia sarà però la società civile che interviene numerosa e solidissima, sostituendosi alle scorte e alle carenze dello Stato. Grazie a loro Pino Masciari è ancora vivo e la sua storia ha preso una strada di libertà. Con lui, la moglie Marisa e i due figli. Una famiglia che ha sofferto per la propria scelta di giustizia. Questo libro è la loro storia.

Adélaïde de Clermont-Tonnere - Il visone bianco (2011)

2012-01-04T13:54:00.001+01:00

È passando davanti a un'edicola di Nizza che la giovane Ondine viene a conoscenza del suicidio di sua madre, la chiacchieratissima scrittrice Zita Chalitzine, ritrovata a Parigi nella sua Mercedes, avvolta in una magnifica pelliccia di visone bianco. La donna ha sempre dato scandalo e proprio pochi giorni prima della sua scomparsa ha nuovamente fatto parlare di sé: un quotidiano l'aveva accusata di non essere l'autrice dei libri che avevano decretato il suo successo. Ondine non vuole sapere niente della sua bellissima e tormentata madre, che non vede da dieci anni: Zita infatti non è stata altro che una pallida imitazione di quello che deve essere davvero un genitore e non ha mai voluto rivelarle l'identità del suo vero padre. Dopo un funerale più mondano che triste - una vera e impietosa passerella della Parigi che conta Ondine trova l'autobiografia inedita di sua madre e viene a conoscenza di segreti e rivelazioni scottanti di cui non sospettava nemmeno l'esistenza. Chi era davvero Zita Chalitzine? Di origini modeste, Zita si conquista l'indipendenza diventando una delle ragazze di Madame Claude - la maitresse più nota e influente della città - e nel contempo l'amante del noto romanziere Romain Kiev. Grazie al suo talento e alla sua ambizione è la protagonista incontrastata della Parigi degli anni Settanta.

Katie Alender - Le cattive ragazze non muoiono mai (2011)

2012-01-04T13:51:00.001+01:00

Aexis ha un'unica passione, la fotografia, e passa molto tempo da sola. Odia le ragazze ricche e viziate della scuola e sua madre è troppo presa dai suoi problemi per curarsi di lei. E poi c'è sua sorella Kasey, di dodici anni, che è ossessionata dalle bambole. Ma ultimamente in casa sta succedendo qualcosa di strano. A volte una luce inquietante avvolge le stanze, e le porte sembrano aprirsi da sole. Anche gli elettrodomestici si accendono all'improvviso... E cosa sta accadendo a Kasey? I suoi occhi sembrano diversi, quasi verdi. Parla in modo strano, dice di non ricordare più ciò che è accaduto soltanto poco tempo prima e solleva gli oggetti con una forza che non può appartenere a una ragazzina. Ma soprattutto, diventa sempre più cattiva... E se quella creatura dagli occhi verdi non fosse più la sorellina di Alex?

Julia Navarro - Dimmi chi sono (2011)

2012-01-04T13:48:00.001+01:00

Quando Guillermo, giovane giornalista di Madrid, riceve da una ricca zia l'incarico di indagare sulla vita della bisnonna Amelia Garayoa, della quale non si sa più nulla da molti anni, non immagina quanto straordinaria sia l'esistenza di questa donna misteriosa e affascinante. Per riscattarla dall'oblio in cui è caduta, Guillermo ricostruisce la sua storia pezzo per pezzo, come un immenso e straordinario puzzle. Amelia, nata nel 1917 da un'ottima famiglia madrileña, dopo essersi infatuata di un rivoluzionario franco-spagnolo alla vigilia della Guerra civile, non esita ad abbandonare marito e figlio - il padre di Guillermo - facendo perdere le sue tracce e diventando un tabù per l'intera famiglia. Come ben presto Guillermo scoprirà, questo è solo l'inizio di un percorso estremamente avventuroso che la porterà in tutto il mondo: da Madrid a Barcellona, da Parigi a Mosca, attraverso Berlino, Londra, Varsavia, Buenos Aires e il Messico. Borghese e rivoluzionaria, sposa e amante, spia e assassina, Amelia è una donna fuori dal comune, un'antieroina per eccellenza, che attraversa da protagonista alcuni tra i maggiori eventi del Novecento, come la Seconda guerra mondiale, la Guerra fredda, la caduta del Muro di Berlino. Sempre al fianco degli uomini della sua vita e sempre fedele ai suoi principi, Amelia non smetterà di pagare in prima persona per le proprie contraddizioni e i propri errori.

Luca Bianchini - Siamo solo amici (2011)

2012-01-04T13:46:00.001+01:00

Peter Chelsom – Serendipity

2012-01-04T13:00:00.001+01:00

Un film di Peter Chelsom. Con John Cusack, Kate Beckinsale, Jeremy Piven, Molly Shannon, Eugene Levy, Bridget Moynahan, Michael Guarino Jr, Abdul Alshawish, Ann Talman, Crystal Bock, Stephen Bruce, David Sparrow, Gary Gerbrandt, Kate Blumberg, Marcia Bennett, Ron Payne, Lucy Gordon. Titolo originale Serendipity. Commedia, Ratings: Kids+13, durata 90 min. - USA 2001.

Sarah e Jonathan si incontrano a New York poco prima di Natale, si guardano negli occhi e scocca il classico colpo di fulmine. Ma nè lui nè lei sono liberi: i due, dopo aver passato la serata insieme, decidono allora di affidare al destino il loro prossimo incontro. Lei scrive il proprio recapito su un vecchio libro che andrà a rivendere sulle bancarelle il giorno dopo, lui su una banconota: si guardano un'ultima volta e si separano. Passano dieci anni, entrambi stanno per sposarsi, ma Jonathan riceve in regalo dalla promessa sposa proprio quel libro che riporta un numero di telefono... Serendipity in inglese significa "trovare una cosa senza cercarla": il fatto che i due si ritrovino dopo dieci anni senza apparentemente essersi cercati ci fa arrivare alla conclusione che probabilmente gli Stati Uniti in realtà sono grandi come Cinisello Balsamo. Ironie a parte, il film in realtà non vuole vendersi per niente di più di ciò che è, e quindi una commedia romantica e scherzosa sul potere del destino e dell'amore. Una New York da cartolina e un'atmosfera patinata fanno da sfondo ai due romantici Kate Beckinsale e John Cusak.

Il voto di Pierolupo: 3/5
Io apprezzo molto i film romantici, come ad esempio "500 giorni insieme" ma... in Serendipity ogni azione è scontata e prevedibile, come anche il classico lieto fine. Sarà per il fatto che non credo molto nel destino ma questa storia è troppo inverosimile e soprattutto non fa ridere. Insomma, la classica commedia sentimentale che si confonde tra le mille altre già esistenti e non riesce ad aggiungere niente di nuovo a quanto già visto.

Spike Lee - Miracolo A Sant’Anna

2012-01-03T18:49:00.001+01:00

Un film di Spike Lee. Con Derek Luke, Michael Ealy, Laz Alonso, Omar Benson Miller, Matteo Sciabordi, John Leguizamo, Joseph Gordon-Levitt, Valentina Cervi, Pierfrancesco Favino, John Turturro, Chiara Francini, Omero Antonutti, Luigi Lo Cascio, Lydia Biondi, Sergio Albelli. Titolo originale Miracle at St. Anna. Drammatico, durata 160 min. - USA 2008.

Stati Uniti. Anni '80. In un ufficio postale un impiegato di colore spara a bruciapelo a un utente italoamericano. L'uomo viene arrestato e nella sua abitazione viene trovata la testa di una statua che ornava un ponte di Firenze.
Toscana 1944. Quattro soldati neri americani della 92^ Divisione "Buffalo Soldiers" dell'esercito americano (la quale è interamente composta da militari di colore) vengono isolati dai commilitoni e si ritrovano in un paesino degli Appennini dopo che uno di loro, Train, ha rischiato di morire per salvare Angelo, un bambino italiano. Costretti in quello spazio limitato, con i tedeschi in arrivo e i superiori incapaci di comprendere le dinamiche della situazione i quattro entrano in contatto con la vita degli abitanti del paese e con la guerra partigiana. Hanno però ricevuto un ordine preciso: catturare un soldato tedesco. Chi si attiva per raggiungerli vuole che questo risultato sia conseguito a tutti i costi. C'è un legame tra la statua e quegli uomini.
Spike Lee tenta la sua operazione più spericolata: uscire dai confini statunitensi per tornare a trattare il tema del rapporto bianchi/neri oltreoceano. Lo fa con un film che affronta (a differenza di buona parte del cinema mainstream made in Usa) la difficoltà della complessità. È complessa in questo film la struttura narrativa che vuole fondere la rilettura del genere bellico con la problematica di forte impatto sociale, inserendovi elementi che vanno al di là di quella razionalità, a volte chirurgica, che ha guidato altri film del regista. Ma la complessità si colloca anche altrove e cioè nello sguardo sulle relazioni che stavano (o forse stanno ancora) alla base dei due nuclei sociali.
Da un lato i 4 commilitoni dalla pelle scura, che proprio su quella pelle hanno vissuto in patria discriminazioni che ora vengono superate grazie al bisogno di forze armate da dispiegare in gran numero sul fronte europeo. Si deve cioè tecnicamente verificare se i 'negri' potessero essere utilizzati nella fanteria (oltre che nei battaglioni di lavoro in cui già operavano). Questi 'oggetti' di esperimento potrebbero essere facilmente liquidabili sotto l'etichetta che fa riferimento al colore della loro pelle mentre invece tra di loro le differenze sono profonde. C'è chi percepisce il protrarsi della discriminazione e pensa al futuro dei propri figli e chi vive alla giornata cogliendo ciò che può essere colto. Sopra di loro dei superiori bianchi che perpetuano con loro le stesse relazioni discriminatorie cristallizzatesi in patria. Dall'altra parte lo 'strano' mondo della Toscana con il paesino in cui convivono fascisti visceralmente convinti, donne pronte a sedurre e a farsi sedurre dal 'nuovo' e partigiani. Anche lo sguardo sul mondo dei 'ribelli' non è mai semplice nel film. C'è chi combatte il nemico ma sente sulla coscienza il peso di aver ucciso chi fino a poco prima era un vicino di casa ed ora sta sull'opposta barricata. Gli stessi tedeschi non vengono tratteggiati con le semplicistiche tinte da attribuire al 'nemico' fonte di ogni male ma vedono nelle loro file chi non sopporta l'orrore della violenza bestiale. Per dominare narrativamente questa complessità il film inserisce l'elemento miracolistico di Angelo (un bambino che non può non far pensare a La vita è bella) e, anche se questo ruolo diviene fondamentale per chiudere la vicenda e soprattutto per consentire il tratteggio della figura del 'gigante buono nero' Train, rischia proprio in questo caso di indebolire il tessuto narrativo. Ma quella testa di statua a cui l'oggi offre solo una consistenza di valore patrimoniale, diviene segno di memoria, di secoli di storia, di un passato che gli Stati Uniti non hanno e che forse un po' invidiano a un'Italia che troppo facilmente tende a dimenticare le proprie radici. È un monito che ci giunge da chi ci guarda da lontano e che nel passato ci ha sbrigativamente etichettato come 'mangiaspaghetti': nella memoria del passato sta la forza degli individui e di un popolo.

Il voto di Pierolupo: 2/5
Pessima ricostruzione storica, trama che fa acqua da tutte le parti, un film che non è né bello né credibile, scene di guerra pietose con mezzi e personaggi da film di serie B. Noioso, senza personaggi a cui affezionarsi o di cui condividere le pene, senza momenti drammatici. Insomma, una vera cagata. Ammetto di essere arrivato alla prima ora (il polpettone dura 160 minuti) e di avere ceduto all'insofferenza.

Duncan Jones – Source Code

2012-01-03T18:22:00.001+01:00

Un film di Duncan Jones. Con Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Brent Skagford, Cas Anvar, Michael Arden, Clarice Byrne, Kyle Allatt, Joe Cobden, Gordon Masten, Neil Napier, Craig Thomas, Susan Bain, Nick Ferrin, Russell Peters. Fantascienza, durata 93 min. - USA, Francia 2011.

Il capitano Colter Stevens, pilota di elicotteri e veterano della guerra in Afghanistan, si risveglia su un treno di pendolari senza avere la minima idea di dove si trovi. Di fronte a lui Christina, una bella ragazza che lo conosce ma che lui non riconosce affatto. In tasca (e nello specchio) l'identità di un giovane insegnante di nome Sean Fentress. Poi l'esplosione, che squarcia il convoglio. Ma Colter non è morto, da un monitor un ufficiale donna lo informa che dovrà tornare sul treno per identificare l'attentatore e prevenire un successivo, più micidiale attacco. Ogni volta che farà ritorno sul treno avrà solo 8 minuti a disposizione. Di più non gli è dato sapere, la missione è top-secret, il suo nome: “Source Code”.
Ciò che più stupisce nel film di Duncan Jones, è che dentro un'idea tanto cerebrale, dentro una messa in forma calcolata al secondo, batta un cuore davvero caldo; e non è (solo) bravura attoriale o suggestione spetattoriale: è il cuore del film, l'anelito alla vita di ciò che resta del capitano Colter Stevens. Vita è conoscenza, conoscenza di sé. Al capitano serve molto più di una chance, molto più di una replica per arrivarci, ed è proprio questa fallibilità, questa necessità di ricominciare da capo (già alla base di altri bei film) a fare della sua vicenda straordinaria e fantascientifica una metafora della vicenda terrena di ogni essere umano. Non tutto torna o è comunque volontariamente talmente complesso da scorare chi si accingesse all'impresa, ma rientra nei patti, esattamente come avveniva per il televisivo Quantum Leap, dove i richiami alla fisica quantistica erano funzionali a mascherare alla meglio il vero concept della serie.
Le identità multiple indossate da Jake Gillenhall sono il tratto che narrativamente avvicina di più, nell'immediato, Source Code all'esordio del regista, Moon, ma non v'è dubbio che, nonostante gli abiti civili, le arterie stradali di Chicago, la realtà di un programma governativo e della sua sede operativa, Source Code sia quasi più fantascientifico del suo precedente ambientato nello Spazio. Laddove Moon, infatti, è una meravigliosa pagina di filosofia esistenzialista (solitudine, “individualità”, assurdo dell'esistere), qui il gioco e il pensiero muovono attorno ad una molteplicità di dimensioni (non ultima quella del finale, tutt'altro che posticcio) e il tempo è la variabile chiave, l'unica, tant'è vero che lo spazio è individuato in un non-luogo –il treno-, più che altro una direttrice, un vettore.
L'azione, il thrilling, la velocità del film di Duncan Jones non nascono, dunque, solo dagli espedienti narrativi tipici del genere nella sua declinazione hollywoodiana (la bomba, il conto alla rovescia) ma sono fatti di tempo e movimento: sono fatti della materia di cui è fatto il cinema.

Il voto di Pierolupo: 4/5
Avevo visto lo scorso anno Moon e mi incuriosiva la nuova opera di Duncan Jones, figlio del più noto David Bowie. Jake Gyllenhaal è bravissimo come in Donnie Darko, il film è bello e avvincente, da vedere assolutamente, il tema quello degli universi paralleli, offrendone però un'interpretazione originale e un finale positivo.

Noiserv - One Hundred Miles From Thoughtlessness

2012-01-02T16:11:00.001+01:00

One Hundred Miles from Thoughtlessness by noiserv

Tracklist
1. Welcome Party
2. Consolation Prize
3. Melody Pops
4. Guarantee
5. Tokyo Girl
6. 307d (Mercedes Benz)
7. Bullets on Parade
8. Download
9. Good Son
10. For the Ones Who Left Me
11. Bontempi

http://www.myspace.com/noiserv

Chelsea Wolfe - The Grime And The Glow

2012-01-02T14:10:00.001+01:00

The Grime and the glow è uscito lo scorso 28 dicembre per la Newyorchese Pendu Sound e in rete si trovano già alcuni assaggi di quello che potrebbe essere il terzo album di Chelsea Wolfe intitolato Russian Karaoke, tra cui la splendida Feral Love. Ad un anno scarso dal suo debutto autoprodotto, Aποκάλυψις (Apocalypse), la songwriter californiana trova accoglienza nel luogo adatto per il suo post-folk visionario e ricco di suggestioni pagane accanto a progetti come Mater Suspiria vision e aTelecine, la band che coinvolge Sasha Grey e che il novembre scorso ha pubblicato il secondo lavoro; oltre alla produzione del suo ultimo LP, distribuito originariamente da Pendu in un numero limitato di copie vinile e interamente registrato con un Tascam 488, Chelsea ha partecipato al progetto Wild Eyes insieme a Ben Chisholm, pubblicando due mesi prima di The Grime and the Glow, Damir Doma un ep di tre tracce uscito per la AMdiscs che fonde in modo molto efficace le scorie industrial che fanno parte del suo sghembo folktelling in un contesto più elettronico e minimale descritto dal duo come Doom-pop ma molto più ricco di influenze, basta ascoltare la forza drammatica e orchestrale di una traccia come Off the witch per rendersi conto dell’abilità manipolatoria della coppia nel creare un suono di transizione tra elettronica, attacchi industriali, soundscapes, racconto pop immerso in un narrato drammatico e oscuro, una world music minimale e tetra come poteva essere quella neopagana di Scott Ayers, assolutamente attenta nel trovare una connessione tra linguaggio elettronico e violenza rituale. La giovanissima Chelsea sembra guardare con molta attenzione a quelle esperienze, tirando giù con una vera e propria sassata in pieno volto tutta la nuova psichedelia americana, frutto (anche) di una sospetta revanche nostalgica, citando la parabola performativa e musicale di Vladimir Vysotsky come compagno di viaggio ideale tra i suoi favoriti e l’idea di un viaggio psichedelico senza uso di droghe, perchè la vera possessione non ne ha bisogno, facendo propria la filosofia di Pendu Sound che rivendica alcune idee fuori dall’approccio dei poseurs “hippy”, basta pensare ad una delle ultime produzioni della label americana, licenziata dal progetto Mater Suspiria Vision e intitolata Exorcism of the Hippies. Un contesto che scatena una serie di connessioni molto stimolanti, la più superficiale delle quali è l’inserimento di alcune cover dei Burzum nel repertorio di Chelsea Wolfe, quasi a rivendicare un background che emerge comunque negli episodi più sferraglianti del suo racconto popolare ed oscuro; in questo senso The Grime and The glow è un album molto meno compatto di Aποκάλυψις, mentre quella era una collezione di brani dalla potenza anthemica, a metà tra i Sonic Youth di Bad Moon Rising e un folk che trascolorava quasi sempre nei recessi più oscuri della tradizione, la nuova uscita della Wolfe, in realtà incisa prima di Aποκάλυψις, sembra sostenuta da un collante molto più precario, una pericolosa instabilità che lo pone decisamente una spanna sopra nel delineare uno stile personalissimo nel montaggio di brani che si abbandanono al potere evocativo della voce, vere e proprie immersioni psichiche a base di field recordings, relitti di musica tradizionale, replica di un mondo conosciuto che si trasforma nel suo riflesso perturbante; The Grime and the Glow è molto più vicino al rapporto con le forme di energia che attraversano tutto il lavoro di sound design fatto da David Lynch, sia nelle strutture pop che in quelle più esplicitamente fuori formato; a conferma di questo, il controllo “totale” che la Wolfe esercita sulla sua musica, spesso creando un’immagine specifica, realizzando parte dei suoi video, montando quelli per i “Fractured Poems” di Jessalyn Wakefield o i video per Agent Ribbons (il bellissimo e naive Dada Girlfriend) e per altri progetti afferenti al suo mondo e alla sua cultura. L’alternanza tra un folk ancestrale e apocalittico e la violenza elettrica di certo Doom è ancora il terreno dialettico entro cui si formano gli episodi di The Grime and the glow, ma se si escludono alcune tracce più compatte, come l’apertura di Advice & Vices, bellissimo esempio di minimal-doom ridotto ad un’economia di tipo pop, e il blues deviato di Noorus, con un attacco degno della Pj Harvey più scabrosa, i paesaggi sonori dell’album sono vere e proprie variazioni acusmatiche partorite da ambienti derealizzati dallo loro funzione sociale; una dimensione che supera il ricorso decrepito e marcito all’alienazione come dimensione unica per inventarsi un simulacro sonoro (la depressione, la mancanza di serotonina, gli anni zero e stronzate del genere) e che ci permette di pensare ad un suono posseduto da una dimensione rituale e performativa separato completamente dalle forme del pensiero razionale; a tracce potenti e solidissime come Cousins of the Anthichrist si antepongono come un riflesso episodi che sospendono il fiato come Fang, Halfsleeper, e l’incredibile versione di You are my sunshine (presente nella sola versione Itunes, come bonus track) recupero di quella capacità di biforcare il significato di un brano legato alla tradizione con la deriva del racconto vocale, esperienza simile ad alcuni brani di Parallelograms di Linda Perhacs, e che quì si serve della ripetizione ossessiva per uscire lentamente dal centro. Eccentricità allora è forse la parola più vicina alla musica di Chelsea Wolfe, non nell’accezione di bizzaria, si intende, ma nella doppia lettura di un suono costruito per fratture, tagli improvvisi ( i falsi raccordi di Widow e quelli in coda alla già citata Advice & Vices) e nella ricerca disperata di uno spazio altro, anche rispetto allo strapotere ideologico del folk Americano contemporaneo: “all the parts of me that lived inside are drowning in the sea of waking life they don’t know their colors don’t belong on the outside” (Chelsea Wolfe – Halfsleeper) (Indie-Eye)

Tracklist
1. Advice & Vices
2. Cousins of the Antichrist
3. Moses
4. Deep Talks
5. Fang
6. Benjamin
7. The Whys
8. Noorus
9. Halfsleeper
10. Bounce House Demons
11. Widow
12. Gene Wilder (Bonus Track)
13. Move (Bonus Track)
14. You Are My Sunshine (Bonus Track)

http://www.myspace.com/search/Music?q=Chelsea%20Wolfe

Coma Cinema - Stoned Alone

2012-01-02T13:55:00.001+01:00

It speaks volumes about a band when they offer releases of their two album catalog as both free digital download and cassette tape. Volumes of what, exactly, will depend on the consumer, but for me, Coma Cinema appeals to my nostalgia for recording radio mix tapes on blanks as a kid.
Coma Cinema markets their brand of soft pop and alt jingle with Grateful Dead “share and share alike” tactics. The official website is as bare-bones as a multimedia page can get, and they are based in South Carolina — similar in sound and surroundings to Band Of Horses.
Stoned Alone is Coma Cinema’s sophomore release, but it feels hard to fathom having one without the other (that other being Baby Prayers). While Baby Prayers felt darker and more prone to subtlety, Stoned Alone frolics sonically in that subdued clatter of indie bands who either come across pretentious or legendary — in this case, we are teetering toward the latter. Alone is the Joker to Prayers‘ Riddler in that respect: a happy balance of childlike insanity and tempered neuroses, all muted to suck in the listener slowly and unsuspectingly.
Between the delightful-yet-dreadfully-short pop delicacies “Stupid Blood” and “Bath Of Time”, to the bluesy mellow steps of title track “Stoned Alone”, to the childlike piano jangle of “Come On Apathy!”, it appears that Coma Cinema revels in brief explosions of under three minutes each, tap-dancing into the listener’s consciousness with quick bursts of pure indie pop pleasure. Stoned Alone and Baby Prayers might only be fractions in length by individual tracks, but as whole entities, they both feel really fluid with a sense of artsy and chaotic energy scattered outright.
Sometimes Coma Cinema sounds like Mountains with some extra percussion thrown in (“Blissed”), sometimes they sound like Harvey Danger during the King James softer sides, fiddling about in the studio trying to channel Joni Mitchell and minimalist wares aplenty. Perhaps “minimalist” is the universal term for anything resembling lo-fi these days, but here, it serves as the ultimate flattery and gives away everything Coma Cinema can represent in the simplest term possible.
The songs here on Stoned Alone are short and succinct, though some a little too much so. It feels experimental in places, solid and calm in others, but it is all certifiably genuine, and while more upbeat and textured on an even keel than Baby Prayers, this album complements its predecessor very well. It is suggested that anyone with a working cassette player try this on for size. In that vein, dare I say Coma Cinema could be a nice addition to the playlist of anyone rocking early Death Cab or some King Biscuit Time and Beta Band.
Which reminds me — if anyone has a physical copy of Harvey Danger’s Dead Sea Scrolls or Demo Tape, get at me, will you?

Tracklist
A1. In Lieu Of Flowers
A2. Black Birthday Cake
A3. Stupid Blood
A4. Only
A5. Sucker Punch
A6. Stoned Alone
B1. Her Vore
B2. Bath Of Time
B3. Tall Grass
B4. Come On Apathy!
B5. She
B6. Blissed
B7. Have You?

http://www.myspace.com/comacinema

Various Artists – Mojo Present: Harvest Revisited

2011-12-30T19:23:00.001+01:00

Un cd davvero meritevole di attenzione; si tratta dello splendido "Harvest" di Neil Young (il vertice della sua vastissima discografia, il suo "album perfetto") rivisitato da una serie di giovani musicisti come Sam Amidon, Villagers, Doug Paisley, Smoke Fairies e tanti altri.

Tracklist
01 – Doug Paisley – Out on the Weekend
02 – Kelley Stoltz – Harvest
03 – Danny And The Champions Of The World – A Man Needs a Maid
04 – Jane Weaver – Heart of Gold
05 – Phosphorescent – Are You Ready for the Country
06 – Villagers – Old Man
07 – Neville Skelly – There’s A World
08 – Smoke Fairies – Alabama
09 – Sam Amidon – The Needle And The Damage Done
10 – Chip Taylor – Words (Between The Lines Of Age)ù

Ivano De Matteo - La Bella Gente

2011-12-30T19:06:00.001+01:00

Un film di Ivano De Matteo. Con Monica Guerritore, Antonio Catania, Iaia Forte, Giorgio Gobbi, Victoria Larchenko, Myriam Catania, Elio Germano. Drammatico, durata 98 min. - Italia 2009.

Alfredo e Susanna sono due cinquantenni sposati e innamorati come il primo giorno. Vivono a Roma e la loro è una vita agiata, intensa dal punto di vista lavorativo e intellettuale, impegnata anche nel sociale. Architetto lui, psicologa lei, i due si apprestano a raggiungere la loro splendida casa di vacanza in Umbria per trascorrere qualche giorno di vacanza in tranquillità. Ad attenderli ci sono già i due amici storici Paola e Fabrizio, tanto snob e pacchiani quanto imbottiti di soldi, ed un panorama di campagna da togliere il fiato. Un giorno, mentre insieme a Paola è in viaggio in auto verso il paese per la spesa, Susanna vede una scena che non avrebbe mai voluto vedere: un uomo che prende a schiaffi una ragazzina in abiti succinti che si prostituisce lungo la statale. Combattuta sul da farsi la donna torna a casa sconvolta e chiede al marito di aiutarla a salvare quella giovane donna dalle grinfie dei suoi aguzzini. Alfredo si presta e l'indomani va sul posto e fingendosi un cliente rimorchia la ragazza e con la forza riesce a portarla sino alla villa. E' bellissima, ha i capelli castani, gli occhi di un azzurro mare e si chiama Nadja. Dopo un primo momento di terrore la ragazza comprende che i due vogliono solo aiutarla e decide di accettare la loro proposta di ospitalità e protezione, sperando che sia la volta buona per dare finalmente una svolta alla sua sfortunata esistenza. Incuranti delle chiacchiere e delle conseguenze della loro scelta Alfredo e Susanna si affezionano sempre di più alla giovane fino a quando in casa non arriva il loro figlio Giulio insieme alla fidanzata Flaminia. La reciproca attrazione tra i ragazzi sconvolgerà i piani di tutti e quelli che fino a quel momento si erano dimostrati per lei due angeli protettori dimostreranno di non essere poi troppo diversi dalla bella gente snob, indifferente e classista che frequenta abitualmente il loro ambiente e che fino ad allora i due avevano sempre guardato dall'alto in basso...
Assurdo come il cinema italiano ci propini commedie e commediole inutili, polpettoni storici noiosi e costosissimi, teen movie incommentabili e cinepanettoni a go-go tutti uguali, ed un brillante cineasta come Ivano De Matteo, che in sole quattro settimane e 450 mila euro di budget ha realizzato a nostro avviso uno dei migliori film italiani degli ultimi anni, sia costretto a tenere invece la sua opera in un cassetto in attesa che il distributore firmatario del contratto originario si decida a tornare sui suoi passi e ad accorgersi della grande possibilità che sta gettando al vento, sbloccare finalmente il rilascio nelle sale italiane. Una situazione paradossale se pensiamo che il film non è solo ottimamente scritto da Valentina Ferlan e diretto con mano ferma e avvolgente da De Matteo, ma anche interpretato magistralmente da un gruppo di attori davvero formidabile, capitanato da una Monica Guerritore in forma smagliante capace di seguire alla perfezione le oscillazioni d'umore e la trasformazione psicologica di una donna sensibile e generosa ma al contempo autoritaria e fondamentalmente insicura; incapace di guardarsi allo specchio e di lottare fino in fondo anche contro se stessa per evitare di finire nello stesso malato meccanismo di indifferenza e ipocrisia che affligge i nostri tempi e che per anni ha tentato di arrestare con dedizione e professionalità, mossa da quella che all'apparenza sembrava una vera e propria vocazione.
La bella gente tocca le corde giuste, flagella la coscienza con piccole ma profonde stilettate, fa riflettere e fa ridere di gusto in scene in cui si dovrebbe rabbrividire, scuote perchè pervaso da una tragica normalità e da una costante sensazione di assenza. Comprensione, amore, solitudine, immigrazione, relazioni superficiali e di facciata, luoghi comuni raccapriccianti che descrivono alla perfezione l'ordinaria follia della società odierna, di giovani e di meno giovani che si riempiono la bocca di belle parole ma che al momento della resa dei conti dimostrano una pochezza disarmante che affonda nello stomaco dello spettatore come un sonoro knock out.
Un'ora e quaranta minuti scarsi di cinema italiano allo stato puro come non se ne vedeva da tempo, cinema che ammicca alla cattiveria di Buñuel e che De Matteo dirige senza troppi fronzoli, indugiando fluidamente e delicatamente sui primi piani, sulle tristezze e sugli sguardi dei personaggi, su espressioni, paesaggi, oggetti, quasi a voler dar risalto all'avere piuttosto che all'essere. L'uso smodato di specchi, vetri e immagini riflesse racchiude la voglia del regista di usare un filtro che renda meglio l'idea dell'umana imperfezione, una superficie che rifletta sommariamente la figura nei tratti generali distorcendone e talvolta oscurandone i particolari. Un plauso anche alla scelta del tema musicale, capace di instillare inquietudine e di accompagnare con una cadenza thrilling il delirante crescendo di isteria che conduce all'ultima scena. Una porta che si chiude e un silenzio assordante che lascia senza fiato.

Il voto di Pierolupo: 4/5
Bella gente borghese e razzista di merda, più di tutti i giovani che dovrebbero essere tradizionalmente un po’ più aperti mentalmente. Insomma se sei puttana resti puttana, puoi fare quello che vuoi, essere migliore di tutti, ma non serve. Bravissima l’attrice che impersona la giovane prostituta, ma bravi anche tutti gli altri. Un bellissimo film, fatto bene, che lascia molta rabbia.

James Patterson - Il regista di inganni (2011)

2011-12-29T14:09:00.001+01:00

Da quattro anni Kyle Craig, alias Mastermind, il più acerrimo nemico di Alex Cross, è rinchiuso nel carcere di massima sicurezza di Florence, in Colorado. Quattro anni di totale isolamento, a parte le visite del suo avvocato. Quattro anni passati a comportarsi da detenuto modello, a covare odio, a ordire una trama di inganni. Perché Mastermind ha una lunga lista di persone con cui pareggiare i conti... Intanto Washington è sconvolta da un nuovo, terribile serial killer. La prima vittima è una famosa scrittrice, scaraventata giù dal terrazzo del suo elegante appartamento, al cospetto di una folla attonita. Prima di ucciderla l'assassino ha documentato con una telecamera le torture e le umiliazioni che le ha inflitto. Questo infatti è il suo scopo: trasformare i suoi delitti in performance, uccidere per un pubblico, perché il mondo sia il suo immenso teatro, dove mettere in scena l'orrore. E questo è solo il primo di una lunga, agghiacciante serie di omicidi. Per Alex Cross, che ha deciso di dedicarsi interamente alla professione di psicologo, e per la sua nuova compagna, la detective Brianna Storie, la partita da giocare è doppia ed è una sfida mortale, senza esclusione di colpi...

Purple Eve - Submersus

2011-12-27T17:42:00.001+01:00

Tracklist
01-Waiting(5:22)
02-Sabbath(3:56)
03-Melinda(4:48)
04-Mary(3:00)
05-Shoot The Sun(4:13)
06-Truth(5:20)
07-Privelege(3:24)
08-F.D.D.(2:16)
09-Outro(2:30)

The Czars - Goodbye

2011-12-27T17:42:00.000+01:00

Vengono da Denver gli Czars, ma ascoltando la loro musica con la memoria non si può far altro che andare alle nebbiose atmosfere londinesi, per vie notturne in cui la pioggia sembra non smettere mai di cadere e le nostre anime si perdono e si disperano alla ricerca di un eterno abbandono. Non è l'eterea e sublime voce di Elizabeth Frazer quella che accompagna queste affascinanti melodie musicali, ma quella calda e avvolgente di John Grant, vocalist ed autore di quasi tutti i brani degli Czars, band che ha ben da spartire con gli scozzesi Cocteau Twins: fu, infatti, grazie all'interessamento di Simon Raymonde, bassista dei Cocteau, che ebbero la chance produttiva per il primo album "Before... But Longer" nel 1998 per l'etichetta londinese Bella Union, ma che vide la luce (almeno in Europa) solo nel 2000, a causa di alcune incomprensioni proprio con Raymonde che si aspettava un suono più "americano". Seguì poi il valido "The Ugly People vs. Beautiful People" nel 2001, fino a giungere a questo "Goodbye" nel 2004, profetico sin dal titolo, infatti pochi mesi dopo l'uscita dell'album la band si è quasi dissolta, lasciando l'unica luce guida nello stesso Grant, ora circondato da turnisti contribuiscono a mantenere, oltre al nome, anche le scintillanti note musicali. Le canzoni di questo album sono dei gioiellini incastonati nella corona di poesie composte da altri "eroi" quali Nick Drake, Tim o Jeff (fate voi) Buckley, in cui si mescolano dolci note acustiche ad influenze di vario genere. Si va quindi dalla triste delicatezza del pianoforte dell'"Intro" alla title-track ("Goodbye goodbye goodbye - I love to see you fade and die - I love to see you kicking, screaming as you try to reach the sky") alle atmosfere progressive che ricordano i Porcupine Tree in "I Am The Man", in cui si respira un'aria di riscatto ("I’m not just a man - I am the man you can’t have - I need something else - You are the one who can’t help"), oppure alle note tex-mex à la Calexico di "Paint The Moon", ai malinconici struggenti violini tzigani di "L.O.S." ("I want you to remember me - For things I never did - ‘Cause none in this world deserves - To see my happiness") o all'aria fumosa jazz blues di "Little Pink House" e "I Saw A Ship". Insomma non vi sono pezzi fuori posto in questo album che merita di essere ascoltato dall'inizio alla fine che arriva con un pezzo potente come "Pain", che riversa fuori tutta la rabbia in un colpo solo ("And if you think you need more pain - You can get all that you need - You can get it all for free - Just keep doing what you are"). Sperando che la creatività di John Grant continui a proliferare e a dispensare brani della stessa levatura, nell'attesa di un degno successore di "Goodbye", va segnalata l'uscita di "Sorry I Made You Cry", una interessante raccolta di cover, alcune nuove, molte già edite come b-sides, dalle quali consiglio due perle come "My Funny Valentine" e "Song To The Siren". (Debaser)

Tracklist
1 “Los”
2 “Trash”
3 “Bright black eyes”
4 “Hymn”
5 “Goodbye”
6 “I saw a ship”
7 “Paint the moon”
8 “Pain”
9 “I am the man”
10 “My love”
11 “Little pink house”

http://www.myspace.com/theczars

Placebo - We Come In Pieces

2011-12-27T17:11:00.001+01:00

Nel Dicembre 2008 i Placebo hanno iniziato il loro ottavo tour mondiale in 15 anni, questa volta per promuovere l’ultimo disco ‘Battle For The Sun‘ (uscito nel giugno del 2009), suonando in 143 concerti in 44 nazioni per un totale di oltre 2 milioni e mezzo di persone. Il tour è iniziato a Angkor Wat in Cambogia ed è finito a Londra nel Settembre del 2010. Proprio lo show finale di Londra, il 28 Settembre 2010 alla Brixton Academy, è stato filmato e sarà il protagonista del nuovo DVD ‘We Come In Pieces’. Il doppio DVD in versione Deluxe e la versione Blu-Ray contengono anche il documentario ‘Coming Up For Air’ (girato e diretto da Charlie Targett-Adams) e il film di Andreas Nilsson ‘Trigger Happy Hands’.

Tracklist
1. Speak In Japanese
2. Nancy Boy
3. Ashtray Heart
4. Battle For The Sun
5. Soul Mates
6. Kitty Litter
7. Every You Every Me
8. Special Needs
9. Breathe Underwater
10. The Never-Ending Why
11. Bright Lights
12. Meds
13. Teenage Angst
14. All Apologies
15. For What It’s Worth
16. Song To Say Goodbye
17. The Bitter End
18. Trigger Happy Hands
19. Post Blue
20. Infra-Red
21. Taste In Men

Sieben - Our Solitary Confinement

2011-12-27T11:46:00.001+01:00

Uscito da qualche mese e passato un pò troppo sotto silenzio il progetto di Matt Howden dei Sol Invictus è uno di quegli album che sanno dipingere atmosfere e emozioni tra i solchi delle proprie canzoni. “Our Solitary Confinement” è stato completamente composto e suonato da Matt, mescola l’ispirazione folk più raffinata e evoluta a forti umori jazz, e, soprattutto, spazia tra sentimenti soffusi e veri momenti di un romanticismo che non c’è più. Su di tutto ovviamente il suo violino, che non prende mai il sopravvento, ma anzi, si fonde con le musiche, si piega e si nasconde e poi improvviso torna a brillare.
Diviso in più parti, l’album inizia con “Dead Bird”, una canzone da capogiro, che ci immerge nella Parigi degli anni 20, vicino alla Senna, tra amori e artisti senza fortuna. Da ascoltare. “Loading Bay” chiude la prima trilogia, quella più romantica e viva, per lasciare spazio alla prima parte strumentale: “Peterson’s Lament” è un brano da colonna sonora di un film muto, con il violino che strazia le corde e i cuori.
Con “The Mechanics Of Intuition” si passa ad atmosfere più soffuse, il cantato si fa un dolce sussurro e il mondo che viene raccontato è quello di una piccola camera solitaria, dove i protagonisti di questa storia si rinchiudono a trascorrere il tempo. Anche il violino si cheta, il clima è più teso e “Picture Of Corridor” ne è l’esempio migliore. Nuova parte strumentale, anche lei suonata in silenzio, tra qualche rumore di fondo a confondere i sentimenti, e si sbuca nella trilogia finale, quella che ricorda certi lavori di Nick Cave, quella dove il violino riprende il sopravvento e strazia di nuovo. “Factory Floor” è una ballata cadenzata, che si spegne in un coro soffuso, “Peterson’s Seat” è zingara e stranita, “Workshop Window” scrive la parola fine lasciandosi dietro un amaro senso di indefinito.
“Our Solitary Confinement” è un album di una raffinatezza rara, da ascoltare con cura; è un album che dimostra ancora una volta quanto brilli la classe di un musicista di nome Matt Howden. (Kronic)

http://www.myspace.com/matthowden7

Tracklist
1. Dead Bird
2. Broken Greenhouse
3. Loading Bay
4. Harding's Lament
5. Peterson's Lament
6. The Mechanics of Intuition
7. Fire Drill
8. Picture of Corridor
9. Harding's Wish
10. Tolson's Dream
11. Factory Floor
12. Peterson's Seat
13. Workshop Window

Massimo Lugli - Il carezzevole (2010)

2011-12-27T11:36:00.001+01:00

Marco Corvino è un trasognato cronista alle prime armi, appena approdato alla redazione di un quotidiano romano. Siamo all'alba degli anni Settanta: i fermenti politici agitano le piazze, mentre dai bassifondi esplode la malavita organizzata con le sue guerre criminali. Tra un reportage nel ventre della metropoli e un attentato, tra una rapina e un'intervista a uno stupratore, la violenza urbana in tutte le sue forme diventa per lui pane quotidiano. Ma qualcosa cambia quando sulla sua strada si mette un killer spietato, il "Carezzevole", un assassino senza nome e senza volto, che uccide le sue vittime in un gioco psicologico perverso fatto di trappole, indizi, deliri, con un rituale legato ai cinque elementi della tradizione cinese: acqua, terra, fuoco, legno, metallo... Sfidato dal killer, Marco cercherà di resistere alla seduzione del male, ma dovrà scavare fino in fondo alla propria coscienza per arrivare al confronto finale con l'assassino.

Massimo Lugli - L'adepto (2011)

2011-12-27T11:34:00.001+01:00

Una chiesa sconsacrata, un animale sacrificato, un neonato brutalmente martoriato: quanto basta per far aprire un'indagine in cui Marco Corvino si troverà coinvolto. A distanza di venticinque anni dalla cattura di uno spietato assassino, il giornalista sarà di nuovo al centro di una macabra inchiesta: una vicenda di riti satanici che seguirà passo dopo passo per il suo giornale. Dovrà fare i conti, suo malgrado, con un mondo di cui ignorava l'esistenza, popolato da sensitivi, esorcisti, maghi, adepti del Candomblé e della Santería, ma anche con figure pericolose, potenti e prive di scrupoli. Travolto da una relazione passionale e clandestina e perseguitato da eventi inspiegabili, diventerà ben presto preda di un turbamento profondo che assumerà il volto del terrore. Le sue certezze vacilleranno per lasciare spazio a interrogativi senza risposta. Una vicenda inquietante che lo condurrà a una cruda verità: le cose spesso nascondono un volto oscuro e sono ben diverse da come appaiono.

Ormie The Pig

2011-12-25T18:21:00.001+01:00

Virus Guardia Di Finanza – Come Sbloccare Il Pc

2011-12-23T18:37:00.001+01:00

Salve a tutti amici, vi voglio segnalare nuova frode informatica che si sta diffondendo nel WEB con il logo istituzionale della Guardia di Finanza. Molti utenti, tra i quali anche io stesso, hanno visto apparire sul loro schermo del computer all’avvio di windows un avviso web firmato Guardia di Finanza con il quale si comunica che il computer è stato bloccato e si invita l’utente a versare la somma di € 100,00 per ripristinarne la funzionalità. Tale virus arriva per lo più tramite EMAIL. Cliccando sulla mail o sul link si espone AUTOMATICAMENTE il pc all’attacco del virus con il conseguente blocco del computer. Per fortuna sembra sia un virus abbastanza cazzone, solo che quanto meno rompe le balle soprattutto se usate il computer anche per lavoro. Pertanto il consiglio è sempre quello di non aprire mail cazzute delle quali non conoscete il mittente.

Come si presenta?
Ecco come si presenta la finta pagina WEB, il link è quello diretto al sito della GDF.
Eccovi il finto modulo che cercano di farvi compilare, link diretto al sito della GDF.

Come Risolvere?
Metodo 1 (metodo pubblicato dalla guardia di finanza). Funziona… testato personalmente con win7.
Spegnere il computer e farlo ripartire in “modalità provvisoria” tenendo premuto (per la fase di accensione) il tasto “F8”

Una volta avviato Windows cliccare con il mouse su START (oppure AVVIO o ancora sull’icona di Windows) posto in basso a sinistra della barra delle applicazioni

All’apertura del menu a tendina verticale fare clic su “Tutti i programmi”, così da aprire l’elenco dei software installati

Cercare la cartella “Esecuzione automatica” e, una volta individuata, fare clic con il mouse sull’icona corrispondente

Sullo schermo viene visualizzata la lista dei programmi configurati per essere avviati automaticamente all’accensione del computer

Dovrebbe apparire, tra gli altri, il file “WPBT0.dll” oppure un file con nome identificativo del tipo “0.<una serie di altri numeri>.exe” (il file si può presentare in altre varianti sintattiche)

Selezionare il file ed eliminarlo con il tasto “CANC” oppure “DEL” o spostando il file nel cestino presente sul desktop del computer . Ad ogni modo vi consiglio di eliminare tutto ciò che non conoscete!

Selezionare con il mouse il “cestino” sul desktop e fare clic con il tasto destro all’apertura della finestra in corrispondenza del cestino, selezionare “svuota cestino” così da procedere alla definitiva eliminazione del malware

Spegnere il computer e riavviarlo normalmente, così da poter constatare l’effettivo ripristino del regolare funzionamento dell’apparato a disposizione

Lanciate il vostro programma antivirus e fate una bella scansione.

Per ogni eventuale ulteriore dubbio rivolgersi al GAT – Nucleo Speciale Frodi Telematiche della Guardia di Finanza telefonando al numero 06-229381 oppure inviando una mail a sos@gat.gdf.it

Metodo 2
Entrate in modalità provvisoria con supporto di rete
Andate al seguente link e scaricate il programma combofix
Avviate il programma ed aspettate la fine dell’elaborazione

Spero d’aver fatto cosa gradita a tutti i nostri lettori.

Peter Weir – L’ultima Onda

2011-12-22T18:42:00.001+01:00

Un film di Peter Weir. Con Richard Chamberlain, Olivia Hamnet, Frederick Parslow, Olivia Hammett, David Gulpilil, Frederick Parlsow, Nndijwarra Amagula, Walter Amagula, Vivean Gray, Malcolm Robertson. Titolo originale The Last Wave. Fantastico, durata 106 min. - Australia 1977.

Mentre è in corso una terribile ondata di maltempo, l’avvocato David Burton (Richard Chamberlein) ha strani sogni ricorrenti nei quali un aborigeno gli appare e gli mostra una pietra misteriosa. Un collega chiede a David di difendere un trio di aborigeni accusati di averne ucciso un quarto in una banale rissa. David scopre che uno dei tre, Chris Lee (David Gulpilil), è il nativo che gli compare in sogno. Cerca di scoprirne di più e viene a sapere che la morte dell’aborigeno è dovuta al fatto di aver rubato reliquie religiose. Il maltempo peggiora e David si rende conto che qualcosa di terribile e di magico sta per accadere. Ottimo film che crea un’atmosfera unica e arcana dipingendo un mistero apocalittico sulla soglia del quale la civiltà risulta un ostacolo, perché con le sue sovrastrutture ha tolto agli uomini la capacità di capire la natura propria e del mondo. Gli aborigeni, legati alla terra, ne sono più consapevoli e il film racconta la presa di coscienza di un passato remoto e di un futuro incerto ma ancora possibile da parte dell’avvocato Burton, interpretato con solido e ispirato stupore da un buon Chamberlain, che si rende via via conto di quanto siano assurdi i riti della giustizia che si trova obbligato a interpretare in tribunale mentre l’apocalisse si sta avvicinando senza che nessuno se ne accorga. Enigmatico, ma non indecifrabile, è il film con cui Peter Weir, subito dopo Picnic a Hanging Rock, torna a descrivere l’indescrivibile e lo fa con grande successo.

Il voto di Pierolupo: 5/5
I film di Weir mi hanno sempre lasciato una strana sensazione addosso. Questo bellissimo film non fa eccezione, grazie alla splendida descrizione dei misteri dell'Australia e dei suoi aborigeni. Da non perdere.

Patrizia Mintz - Il custode degli Arcani (2011)

2011-12-22T16:26:00.001+01:00

Ci sono notti in cui è impossibile dormire, ci sono casi che tolgono letteralmente il sonno. Lo sa bene il vicequestore Michele Arlia, napoletano trapiantato alla questura di Roma, che alle quattro del mattino è ancora seduto alla scrivania del suo studio, avvolto in un pigiama stazzonato, la pipa in bocca rigorosamente spenta, causa angina imminente. Arlia non è certo quel che si dice un patito dell'azione, come lasciano intendere i trenta chili in sovrappeso, dislocati perlopiù intorno a un immaginario girovita; è un riflessivo e spesso viene colto da folgoranti e risolutive intuizioni proprio durante la notte, magari in compagnia di un brano di Mozart e un panino a cinque strati. Questa volta, però, non sembra davvero possibile comprendere quale movente abbia spinto l'assassino a uccidere una come Delia Mantoni, una donna qualunque, devota, sola, dal passato immacolato. L'unico indizio rinvenuto sul cadavere è una carta dei tarocchi, la Fortuna: Arlia se la sta rigirando tra le mani, da ore ormai, senza riuscire a darsi una spiegazione. E poi c'è la scena del delitto: il corpo giaceva nella chiesa di San Lorenzo in Lucina accanto alla tomba di Nicolas Poussin, dove appare l'oscura iscrizione "Et in Arcadia ego", che per alcuni studiosi sta a indicare il vero sepolcro di Cristo. Quando in un'altra chiesa romana viene ritrovato un secondo cadavere, questa volta accasciato su un'acquasantiera con la carta dell'Eremita accanto, Arlia capisce di avere a che fare con qualcosa di più.

Jussi Adler-Olsen - La donna in gabbia (2011)

2011-12-22T16:23:00.001+01:00

La voce distorta proviene da un altoparlante piazzato da qualche parte nel buio: "Buon compleanno, Merete. Oggi sono centoventisei giorni che sei qui, e questo è il nostro regalo per te. Lasceremo la luce accesa per un anno, a meno che tu non sia capace di rispondere a una domanda. Perché ti abbiamo rinchiusa?" Merete Lynggaard, giovane parlamentare danese di successo, è a bordo di un traghetto il giorno in cui scompare senza lasciare tracce. I media si lanciano avidamente sulla storia e le ipotesi si avvicendano nei titoli: dal suicidio all'omicidio, dal tragico incidente al rapimento, fino alla sparizione volontaria. La polizia mette in campo tutte le forze, ma senza risultato: la donna sembra inghiottita dalla terra. Merete però non è morta. Chi la tiene segregata in modo tanto disumano in una prigione di cemento? E perché? Cinque anni dopo, Cari Morck, poliziotto svogliato e burbero, una spina nel fianco per tutti i colleghi, decide di riaprire le indagini con la sua Sezione Q, il nuovo reparto speciale per i casi irrisolti. Procedendo a ritroso nel tempo fra trame politiche e drammi familiari, Morck e il suo misterioso assistente siriano Assad si lanciano in una battaglia contro il disegno delirante di un criminale folle.

Mymusic... Solo Il Meglio Dal Web

Blaudzun – Heavy Flowers

Marco Malvaldi - La Carta Più Alta (2012)

Annakin – Torch Songs

Kwoon - The Guillotine Show

Perfume Genius - Put Your Back N 2 It

Downham Jenny - Tu contro di me (2011)

Wild Driwing West – The Breakout

Shearwater – Animal Joy

Unbunny – Moon Food

Jacques Audiard – Il Profeta

Mauro Corona - Come sasso nella corrente (2011)

Luca Bianchini - Siamo solo amici (2011)

Tate Taylor - The Help

Gavin Wiesen – L’arte Di Cavarsela

Paola Zannoner - Dieci regole per amare (2010)

Tony Scott - Deja Vu

Wim - Wim

Bent Hamer - Il Mondo Di Horten

Guillaume Musso - Quando si ama non scende mai la notte (2008)

David Cronenberg – A Dangerous Method

Sieben - The Line And The Hook

Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne – Il Ragazzo Con La Bicicletta

Nicolas Winding Refn - Drive

Sepiamusic - Trenches

Oliver Parker – Johnny English La Rinascita

Andrea Camilleri - Il diavolo certamente (2012)

Andrea Fazioli - La sparizione (2010)

Sieben - Sex And Wildfowers

The Strange Death Of Liberal England – Forward March!

Dany Boon – Niente Da Dichiarare?

Come scaricare con Mirc 6.31 e XDCC.it

Tatiana De Rosnay – Segreti Di Famiglia (2011)

The Black Era – …Then

Shane Meadows – Dead Man’s Shoes

Tricarico – L’imbarazzo

Ethan Coen, Joel Coen – Il Grinta

Sepiamusic – Prototype

Romana Petri - Tutta la vita (2011)

Paolo Villaggio - La vera storia di Carlo Martello (2011)

Mark Romanek – One Hour Photo

David Fincher – Il Curioso Caso Di Benjamin Button

Francesco Patierno - Cose Dell’altro Mondo

Maria Venturi - La moglie nella cornice

Marc Levy - I figli della libertà (2008)

Marc Levy - La Prossima Volta (2004)

Stefano Benni - Le Beatrici (2011)

Isabel Allende - Il quaderno di Maya (2011)

Gianpaolo Pansa - Poco o niente (2011)

Giulio Cesare Giacobbe - Come fare un matrimonio felice che dura tutta la vita (2007)

Luciana Littizzetto e Franca Valeri - L'educazione Delle Fanciulle (2011)

Nicolai Lilin - Il respiro del buio (2011)

7 motivi per non comprare il caffe’ Nespresso e 11 per tornare alla moka

Reinhold Messner - La mia vita al limite (2006)

Vittorio Agnoletto, Lorenzo Guadagnucci - L' eclisse della democrazia. Le verità nascoste sul G8 2001 a Genova (2011)

John C. Parkin, Gaia Pollini - Ma chissenefrega! Piccola guida per fottersene di tutto e vivere felici (2010)

Amitav Ghosh - Il fiume dell'oppio (2011)

Masciari Pino & Masciari Marisa - Organizzare il coraggio (2010)

Adélaïde de Clermont-Tonnere - Il visone bianco (2011)

Katie Alender - Le cattive ragazze non muoiono mai (2011)

Julia Navarro - Dimmi chi sono (2011)

Luca Bianchini - Siamo solo amici (2011)

Peter Chelsom – Serendipity

Spike Lee - Miracolo A Sant’Anna

Duncan Jones – Source Code

Noiserv - One Hundred Miles From Thoughtlessness

Chelsea Wolfe - The Grime And The Glow

Coma Cinema - Stoned Alone

Various Artists – Mojo Present: Harvest Revisited

Ivano De Matteo - La Bella Gente

James Patterson - Il regista di inganni (2011)

Purple Eve - Submersus

The Czars - Goodbye

Placebo - We Come In Pieces

Sieben - Our Solitary Confinement

Massimo Lugli - Il carezzevole (2010)

Massimo Lugli - L'adepto (2011)

Ormie The Pig

Virus Guardia Di Finanza – Come Sbloccare Il Pc

Come si presenta?Ecco come si presenta la finta pagina WEB, il link è quello diretto al sito della GDF.Eccovi il finto modulo che cercano di farvi compilare, link diretto al sito della GDF.

Come si presenta?
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Come Risolvere?
Metodo 1 (metodo pubblicato dalla guardia di finanza). Funziona… testato personalmente con win7.
Spegnere il computer e farlo ripartire in “modalità provvisoria” tenendo premuto (per la fase di accensione) il tasto “F8”

Metodo 2
Entrate in modalità provvisoria con supporto di rete
Andate al seguente link e scaricate il programma combofix
Avviate il programma ed aspettate la fine dell’elaborazione

Spero d’aver fatto cosa gradita a tutti i nostri lettori.